Il jazz alla fine del XX secolo: tradizionalisti e postmodernisti

Tradizionalisti: un ritorno al passato e fedeltà alle proprie radici

Verso la fine degli anni '70, nel mondo del jazz stava avvenendo una trasformazione interessante. Forme sperimentali ed elettriche come il free jazz e il fusion rimanevano popolari, ma un gruppo di musicisti iniziò a tornare ai tradizionali stili acustici del jazz. Questo ritorno non era solo un movimento nostalgico; era uno sforzo per riconnettersi alle radici del jazz. In realtà, gli stili tradizionali del jazz non erano mai completamente scomparsi. Anche all'apice del free jazz e del fusion, molti artisti continuavano a seguire i propri percorsi - semplicemente non attiravano abbastanza attenzione. Con la fondazione dell'etichetta Pablo da parte di Norman Granz negli anni '70, leggendari musicisti come Duke Ellington, Ella Fitzgerald e Oscar Peterson ebbero l'opportunità di registrare nuovamente. Altre etichette più piccole - Steeplechase, Concord, Muse, Chiaroscuro - si concentrarono ugualmente su forme tradizionali di jazz.

Wynton Marsalis e il Neotrattamentalismo

Questa rinascita tradizionale fu ulteriormente accelerata dall'emergere del brillante giovane trombettista Wynton Marsalis. Nato il 18 ottobre 1961 a Kenner, Louisiana, Marsalis crebbe immerso nel ricco patrimonio della tradizione jazz di New Orleans. Suo padre, Ellis Marsalis, era un rispettato pianista e educatore jazz; suo fratello maggiore Branford Marsalis sarebbe diventato un sassofonista di fama mondiale. A 14 anni, Marsalis eseguì il Concerto per tromba di Haydn con l'Orchestra Filarmonica di New Orleans; a 18 entrò alla Juilliard; e a 19 iniziò a suonare con maestri del jazz come Art Blakey e Herbie Hancock. A 20 anni fu messo sotto contratto da CBS Records sia come artista classico che jazz - una mossa senza precedenti da parte della più potente casa discografica del mondo.

Marsalis è riuscito a raggiungere qualcosa di raro nella storia della musica: è diventato il primo e unico artista a vincere i Grammy Awards sia nella categoria musica classica che in quella jazz. Vincendo il Grammy per il jazz nel 1983 e quello per la musica classica nel 1984, ha dimostrato di saper eccellere ai massimi livelli in entrambi i generi.

Le prime registrazioni di Marsalis negli anni '80 erano molto varie. In un brano come "Hesitation" richiamava lo stile iniziale di Ornette Coleman, mentre in pezzi come "Father Time" iniziava ad affrontare strutture compositive più complesse. Ma la carriera di Marsalis subì una trasformazione significativa con gli album "Marsalis Standard Time, Vol. 1" e "Live at Blues Alley". In questi progetti, reinterpretando standard del jazz in diverse strutture metriche come 6/8, 12/8 e 5/4, dimostrò fino a che punto si potevano spingere le vecchie canzoni jazz.

Con l'album "The Majesty of the Blues", Marsalis ha esplorato un approccio più "grezzo" favorito dai musicisti del jazz pre-bop. Ha cercato di rivitalizzare l'estetica degli anni '20 di King Oliver e Bubber Miley. Il blues è diventato un punto focale importante per Marsalis. L'influenza del critico e mentore Stanley Crouch e la visione estetica delineata nel libro di Albert Murray "Stomping the Blues" sono state decisive in questo senso.

Jazz at Lincoln Center: Il Volto Istituzionale del Jazz

La visione musicale di Marsalis ha acquisito un'identità istituzionale con il Jazz at Lincoln Center (JALC), fondato nel 1988. In qualità di direttore artistico, Marsalis ha creato una delle piattaforme più prestigiose per il jazz. La Jazz at Lincoln Center Orchestra, composta da 15 membri, è diventata un ensemble in cui Marsalis poteva esprimere appieno le sue capacità di compositore.

Pubblicato nel 1994, "Blood on the Fields" è stata l'opera più ambiziosa di Marsalis. L'oratorio, che ritrae l'esperienza della schiavitù, ha vinto il Premio Pulitzer per la Musica nel 1997 - diventando la prima opera del mondo jazz a ricevere tale riconoscimento e rappresentando un importante traguardo nell'accettazione accademica e culturale del jazz come "musica seria".

Tuttavia, la visione di Marsalis non era priva di controversie. Alcuni critici sostenevano che la definizione di tradizione jazz del Lincoln Center fosse troppo ristretta e escludesse i musicisti d'avanguardia e quelli influenzati dal jazz europeo. In un'intervista, Keith Jarrett ha apertamente criticato l'approccio di Marsalis. Ciononostante, nel corso degli anni, Marsalis ha dato un contributo significativo al bene generale del jazz grazie alla sua capacità di guidare giovani musicisti, difendere l'importanza culturale della musica e mobilitare risorse finanziarie. Con la propria sala da concerto presso il Frederick P. Rose Hall, la JALC continua a essere una delle istituzioni jazz più importanti al mondo.

Postmoderni: rivoluzionari che abbattono le barriere e mescolano i generi

A partire dalla metà degli anni '70, iniziò a svilupparsi un movimento diverso anche nel mondo del jazz. Mentre i tradizionalisti cercavano di preservare il patrimonio del jazz, i pionieri del jazz postmoderno si confrontarono con il passato della musica, ma da una prospettiva molto diversa. Riconoscendo che non si poteva sfuggire al pesante peso della tradizione del jazz, i postmoderni adottarono un approccio decostruttivo invece di limitarsi a celebrare il passato.

I primi segnali di questa svolta postmoderna si possono riscontrare nel lavoro dei musicisti associati all'Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) di Chicago. L'AACM fu fondata nel 1965 sotto la guida del pianista Muhal Richard Abrams. Musicisti come Roscoe Mitchell, Joseph Jarman, Anthony Braxton e Lester Bowie, in contrasto con le definizioni tradizionali di armonia e melodia, si concentrarono sulle qualità del suono stesso.

L'Art Ensemble di Chicago — il gruppo composto da Roscoe Mitchell, Joseph Jarman, Lester Bowie, Malachi Favors e Don Moye — è diventato un esempio definitorio del jazz postmoderno. Il motto del gruppo, "Grande Musica Nera dall'Antico al Moderno", ha catturato perfettamente il loro approccio alla tradizione. Pezzi gospel o funk potevano coesistere con dissonanze e rumori. Il loro amore per costumi e trucchi insoliti ha confermato gli elementi di arte performativa che da tempo giacevano sotto la superficie dell'idioma jazzistico.

Il sassofonista Anthony Braxton divenne un brillante campione dell'onda postmoderna. Braxton incarnava perfettamente l'esuberanza postmoderna capace di assimilare qualsiasi stile e incorporare ogni suono impossibile nel suo lavoro. Si sentiva a suo agio nel comporre sia per due pianoforti, tre ottoni, quattro pale amplificate, che per cento tube. Insieme a Coltrane e Coleman, non aveva paura di annoverare tra le sue influenze Schoenberg, Webern, Cage e Stockhausen.

Il sassofonista David Murray ha dimostrato una straordinaria produttività, con circa centocinquanta registrazioni prima di compiere quarant'anni. Ha lavorato in vari formati, dal sassofono solista alle grandi orchestre. Affermando che "la musica deve ricominciare a swingare", Murray ha combinato l'influenza di Mingus e Ellington in una voce innovativa, sia come compositore che come strumentista.

Il World Saxophone Quartet (WSQ), composto da David Murray, Julius Hemphill, Oliver Lake e Hamiet Bluiett, fu fondato nel 1976 quando i suoi membri scoprirono che il pubblico rispondeva positivamente alla loro musica senza una sezione ritmica. Con la loro musica trasversale, potevano rendere omaggio a Ellington in un istante, passare all'atonalità nel successivo, o creare un groove ispirato alla musica africana e al soul.

John Zorn e la scena Downtown

Il sassofonista e compositore John Zorn è diventato il rappresentante più radicale del jazz postmoderno. L'opera di Zorn rientra in diverse categorie principali. I suoi "pezzi a gioco" forniscono istruzioni che offrono un quadro per la composizione, al posto delle strutture basate su accordi e metri del jazz tradizionale. L'album Cobra offre uno spaccato dei diversi risultati possibili che possono emergere da un particolare pezzo a gioco per dodici musicisti. L'etichetta di Zorn Tzadik è diventata una delle piattaforme più importanti della scena musicale sperimentale del downtown di New York.

Altri postmoderni e compagni di viaggio come Tim Berne, Wayne Horvitz, Bill Frisell e Bobby Previte hanno portato l'irriverenza dei modelli di Zorn un passo oltre. I gusti di Zorn si estendevano ben al di là del mondo del jazz: punk rock, musica aleatoria, klezmer o colonne sonore di film western spaghetti potevano essere combinati in qualsiasi progetto.

Acid Jazz e Nu Jazz: L'Interpretazione dell'Età Elettronica sul Jazz

Nato a Londra alla fine degli anni '80, il movimento acid jazz ha aperto un importante capitolo nell'evoluzione postmoderna del jazz. Sviluppatosi sotto la guida del DJ Gilles Peterson e del presentatore radiofonico Chris Bangs, questa corrente ha combinato lo spirito improvvisativo del jazz con funk, soul e musica elettronica da ballo. Gruppi come Jamiroquai, Brand New Heavies, Incognito e Us3 sono diventati i rappresentanti più riconosciuti dell'acid jazz. Il brano "Cantaloop" del 1993 di Us3, che ha reinterpretato "Cantaloupe Island" di Herbie Hancock con ritmi hip-hop, è diventato un successo mondiale.

Il nu jazz (o "jazz futuro") è stato un movimento emerso alla fine degli anni '90 e all'inizio degli anni 2000, che combinava le tecniche di produzione musicale elettronica con l'improvvisazione jazz. L'album Tourist (2000) di St Germain, che fondeva ritmi della musica house con campionamenti jazz, ha venduto milioni di copie. Il trombettista norvegese Nils Petter Molvær, unendo paesaggi sonori elettronici ambient con la sua tromba jazz, è diventato uno dei pionieri del nu jazz europeo. Queste correnti hanno portato il jazz nelle piste da ballo dei club e hanno raggiunto un pubblico più giovane e variegato.

Il chitarrista Bill Frisell e il jazz americana.

Una delle figure più influenti del jazz postmoderno è stato il chitarrista Bill Frisell. Frisell ha saputo integrare tutti gli strati della musica americana - country, folk, Americana, colonne sonore, jazz e avanguardia - in una singola visione musicale. A partire dalle sue prime registrazioni per l'etichetta ECM, ha sviluppato uno stile unico che combina toni tradizionali di chitarra con effetti elettronici e paesaggi sonori ambient.

Il suo album del 1997 Nashville è stato un progetto audace che ha reinterpretato la musica country da una prospettiva jazz. Album come Good Dog, Happy Man (1999) e Guitar in the Space Age! (2014) hanno riscoperto diversi periodi della tradizione musicale americana attraverso una lente postmoderna. L'approccio di Frisell ha rappresentato il volto più caldo e accessibile del jazz postmoderno: un atteggiamento più nostalgico che ironico, più inclusivo che distruttivo.

L'influenza di Frisell si è fatta sentire profondamente, specialmente tra i chitarristi più giovani. Chitarristi contemporanei come Mary Halvorson, Julian Lage e Ben Monder hanno seguito il percorso da lui aperto, ridefinendo il ruolo della chitarra nel jazz.

Robert Glasper e la fusione jazz-hip hop

Una delle evoluzioni più entusiasmanti nel mondo del jazz negli anni 2000 e 2010 è stata la fusione jazz-hip hop guidata da Robert Glasper. Il pianista nato a Houston, lavorando sia con un trio jazz acustico (il Robert Glasper Trio) che con un ensemble orientato all'elettronica (il Robert Glasper Experiment), ha costruito un ponte unico tra due diversi mondi musicali.

Uscito nel 2012, l'album Black Radio è stato un punto di svolta nella storia del jazz. Con collaborazioni di artisti R&B e hip-hop come Erykah Badu, Musiq Soulchild, Lupe Fiasco e Yasiin Bey (Mos Def), l'album ha vinto un Grammy come Miglior Album R&B. Glasper ha dimostrato che un musicista jazz può essere riconosciuto anche ai massimi livelli nel mondo dell'hip-hop e dell'R&B.

L'influenza di Glasper ha anche galvanizzato un gruppo di musicisti più giovani. Figure come Terrace Martin, Kamasi Washington, Thundercat e Chris Dave hanno formato un nuovo ecosistema jazz-hip hop con base a Los Angeles. Mescolando elementi jazz con l'hip-hop nell'acclamato album To Pimp a Butterfly (2015) di Kendrick Lamar, questi musicisti hanno rafforzato la presenza del jazz nella cultura popolare. L'album triplo di Kamasi Washington The Epic del 2015 ha dimostrato che un album jazz poteva attirare un notevole interesse sia dai media tradizionali che dal mondo della musica indipendente.

La scena del jazz europeo e le nuove voci

Nel periodo postmoderno, la scena del jazz europeo ha affermato sempre più la propria identità, distinta dal jazz americano. La visione estetica di ECM Records sotto la guida di Manfred Eicher ha presentato al mondo il carattere riflessivo, meditativo e talvolta minimalista del jazz europeo. Il tono del sassofono di Jan Garbarek, evocativo dei paesaggi scandinavi; la malinconia e il lirismo dell'Europa orientale di Tomasz Stańko; l'incontro di Anouar Brahem tra la tradizione del liuto nordafricano e il jazz contemporaneo — ognuno di questi elementi ha rappresentato un diverso aspetto della distintiva voce del jazz europeo.

A partire dagli anni 2010 in poi, la nuova scena jazz di Londra ha attirato un interesse globale significativo. Artisti come Shabaka Hutchings (Sons of Kemet, The Comet Is Coming), Nubya Garcia, Ezra Collective e Moses Boyd hanno creato un suono fresco ed energico fondendo le tradizioni musicali caraibiche, africane e urbane britanniche con il jazz. La vittoria del Mercury Prize da parte di Ezra Collective nel 2023 è stata una prova concreta della forza di questa nuova ondata.

Negli anni 2000, The Bad Plus — un trio formato dal pianista Ethan Iverson, dal bassista Reid Anderson e dal batterista Dave King — ha fatto arrabbiare i puristi del jazz con le loro cover di materiale estremo dei Nirvana, dei Black Sabbath e dei Bee Gees, conquistando allo stesso tempo un vasto pubblico di nuovi appassionati di jazz.

Conclusione: L'Incontro di Due Percorsi

In definitiva, il jazz nell'ultimo quarto del XX secolo e nel primo quarto del XXI ha raggiunto un' straordinaria diversità alimentando la proficua tensione tra tradizionalisti e postmoderni. Wynton Marsalis e Jazz at Lincoln Center hanno consolidato il posto del jazz nel patrimonio culturale americano a livello istituzionale, mentre correnti come l'acid jazz, il nu jazz e la fusione jazz-hip hop hanno continuamente ampliato i confini della musica. Personalità come Robert Glasper, Kamasi Washington e la nuova onda di Londra hanno dimostrato che il jazz può continuare a esistere nel XXI secolo come forma d'arte vibrante, dinamica e rilevante.

I tradizionalisti hanno cercato di preservare il patrimonio del jazz, mentre i postmoderni ne hanno smontato l'eredità e poi l'hanno ricomposta in modi completamente nuovi e innovativi. Forse la vera forza del jazz risiede proprio nella coesistenza di questi due approcci. Rispetto e conservazione della storia del jazz, e reinterpretazione di quel passato in modi nuovi e inaspettati, fanno parte del DNA di questa musica. Questa dialettica è la più forte garanzia che il jazz continuerà a rinnovarsi e a perdurare nel futuro.