La trasformazione del jazz: da musica di strada a forma d'arte accademica

Dall'esclusione all'accettazione: il primo secolo del jazz

Guardando la storia del jazz, ciò che mi ha colpito di più è come questo genere sia riuscito a sopravvivere per quasi mezzo secolo con quasi nessun supporto istituzionale. Nella prima metà del ventesimo secolo, essere un musicista jazz significava essere completamente autonomi, arrangiandosi con brevi ingaggi da parte di bandleader e un pubblico mutevole. In quell'epoca, la cosa più vicina a un "lavoro stabile" per un musicista jazz era un posto in una banda di successo in tournée – e anche quello poteva finire da un momento all'altro. I musicisti potevano ritrovarsi abbandonati lontano da casa, a volte letteralmente gettati fuori dal pullman della tournée durante il viaggio.

Riesci a immaginarlo? Al di là della questione dell'invitarli ad esibirsi nel campus, i professori erano fuori discussione. Fare domanda per le borse di studio e le residenze artistiche che sono comuni oggi era quasi impensabile. Il pioniere del pianoforte stride James P. Johnson fece domanda per una Guggenheim Fellowship negli anni '30 e (come ci si potrebbe aspettare) fu rifiutato - ma ciò che è sorprendente, considerando gli atteggiamenti dell'epoca, è che abbia anche solo pensato di fare domanda. Per dimostrare quanto fosse grave la situazione: nel 1949, la rivista Downbeat lanciò un concorso per scegliere un nuovo nome per il jazz. Molte persone credevano che il vecchio nome fosse macchiato da associazioni negative e che la musica avesse bisogno di un'etichetta più rispettabile. La proposta vincente - che si aggiudicò il premio di mille dollari - fu "Crewcut". Fortunatamente, il concorso fu presto dimenticato e continuammo a usare la parola "jazz".

Il jazz entra nell'accademia: un punto di svolta

Negli anni '50, il jazz ha vissuto un momento di svolta cruciale. Sono comparsi i primi libri di testo sul jazz e circa una trentina di collegi hanno iniziato a offrire corsi sull'argomento. Questo potrebbe sembrare poco rispetto alla situazione attuale, in cui quasi ogni collegio ha abbracciato il jazz in qualche forma e più di cento offrono programmi di laurea formali, ma all'epoca rappresentò un grande cambiamento. Le esibizioni jazz nei campus, che precedentemente erano limitate a contesti informali come feste di fraternità e balli organizzati dagli studenti, iniziarono a ricevere l'approvazione ufficiale da parte degli amministratori.

Ci è voluta un'intera generazione perché l'impatto di quella trasformazione si facesse sentire sulla scena del jazz. L'atmosfera jazz degli anni '80 e '90 rifletteva questo cambiamento: un numero crescente di nuovi talenti con una maggiore consapevolezza storica, capaci di passare agevolmente da uno stile all'altro. Per questa generazione, la formazione accademica e i titoli di studio erano la norma, non l'eccezione. Ovviamente, la transizione non fu priva di conflitti. Coloro che erano allineati con gli stili e le attitudini delle epoche precedenti mormoravano che i nuovi musicisti soffrivano di troppa istruzione. Per loro, il jazz con un pedigree accademico era una fredda imitazione della vera cosa. Il vero jazz era stato messo alla prova nel selvaggio mondo delle band in tour e delle difficili sessioni di improvvisazione, non seduti in un'aula a leggere un libro di testo.

L'ascesa delle Istituzioni di Educazione al Jazz

L'ingresso del jazz nel mondo accademico avvenne sotto l'egida di specifiche istituzioni. Quando il Berklee College of Music fu fondato a Boston nel 1945, era una delle poche scuole a considerare il jazz come una disciplina accademica seria. Il fondatore della scuola, Lawrence Berk, credeva che i musicisti jazz, proprio come quelli classici, necessitassero di una formazione sistematica. Oggi il Berklee è uno dei conservatori più prestigiosi al mondo, ospitando ogni anno migliaia di studenti e vantando tra i suoi ex allievi innumerevoli artisti vincitori di Grammy.

L'Università del Nord Texas (allora chiamata North Texas State University) divenne, nel 1947, una delle prime grandi università a lanciare formalmente un programma di studi sul jazz. La sua banda da laboratorio "One O'Clock Lab Band" crebbe fino a diventare un ensemble di fama mondiale e molti musicisti professionisti iniziarono la loro carriera suonando in questa banda. Il Conservatorio di Nuova Inghilterra, sotto la guida di Gunther Schuller negli anni '60 e '70, ampliò i confini dell'educazione al jazz e portò il concetto di Terza Corrente nell'accademia. Istituzioni come la Manhattan School of Music, la New School for Jazz and Contemporary Music e l'Università dell'Indiana costruirono anche forti programmi di jazz a partire dagli anni '70, consolidando l'infrastruttura accademica in questo campo.

Un simile sviluppo ebbe luogo in Europa. Il Conservatorio di Amsterdam nei Paesi Bassi e il Rytmisk Musikkonservatorium (Conservatorio di Musica Ritmica) in Danimarca divennero pionieri dell'educazione al jazz europeo. Insegnando la tradizione del jazz americano, queste scuole posero anche le basi per l'emergere di una propria identità del jazz europeo.

L'educazione al jazz in Turchia

L'istituzionalizzazione della formazione jazzistica in Turchia è iniziata relativamente tardi, ma si è sviluppata rapidamente. L'Università di Bilkent, fondata nel 1986, ha compiuto un passo pionieristico includendo gli studi jazz nella propria facoltà di musica. Il dipartimento di musica dell'Istanbul Bilgi University, con docenti come Tuna Ötenel e İmer Demirer attivi dai primi anni Duemila in poi, è diventato un importante centro per la formazione jazzistica turca. Anche l'Università Haliç, l'Università Bahçeşehir e il Conservatorio Statale di Musica Turca dell'Università Tecnica di Istanbul si sono aggiunti al novero delle istituzioni che offrono formazione jazz. Questi sviluppi hanno aumentato in modo significativo sia il numero sia la qualità dei giovani musicisti jazz formati in Turchia.

Festival del Jazz: La Vetrina Globale della Musica

La storia dei festival del jazz è strettamente legata alla legittimazione della musica stessa. Il Newport Jazz Festival, fondato nel 1954, è passato alla storia come il primo grande festival di jazz al mondo. Nato dalla visione di George Wein, il festival ha portato il jazz all'aperto e a un vasto pubblico, cambiando radicalmente la percezione della musica. Il documentario del 1958 "Jazz on a Summer's Day" ha portato la magia di Newport in tutto il mondo.

Grandi festival come il Montreux Jazz Festival (1967), il North Sea Jazz Festival (1976) e il Festival Internazionale del Jazz di Montreal (1980) hanno svolto un ruolo cruciale nel riconoscimento del jazz come forma d'arte globale. Il Festival Internazionale del Jazz di Montreal è entrato nel Guinness dei Primati come il più grande festival jazz del mondo, attirando oltre due milioni di visitatori ogni anno.

In Turchia, il Festival del Jazz di Istanbul viene organizzato dal 1994 dalla Fondazione per la Cultura e le Arti di Istanbul (İKSV) ed è diventato uno dei festival jazz più prestigiosi al mondo. Eventi come l'Akbank Jazz Festival, i programmi del Nardis Jazz Club e il Festival del Jazz di Ankara riflettono la ricchezza della vita festivaliera in Turchia. Questi festival non solo portano artisti internazionali al pubblico turco, ma offrono anche ai musicisti jazz turchi una vetrina internazionale.

I Grammy e il jazz: riconoscimento dall'industria musicale

I Grammy Awards hanno svolto un ruolo cruciale nel riconoscimento del jazz come "musica d'arte seria". Quando la prima cerimonia dei Grammy si è tenuta nel 1959, il jazz aveva già le sue categorie dedicate. Nel corso degli anni, queste categorie sono state ampliate e raffinate. Oggi, i Grammy includono numerose categorie jazz, tra cui Miglior Album Jazz Vocale, Miglior Album Jazz Strumentale, Miglior Album di Grandi Ensemble Jazz, Miglior Album di Jazz Latino e Miglior Assolo di Jazz Improvvisato.

Il Premio Pulitzer del 1997 assegnato a Wynton Marsalis per il suo oratorio "Blood on the Fields" è stato uno dei segnali più concreti dell'accettazione accademica e culturale del jazz come "musica seria". Fino ad allora, il Premio Pulitzer per la Musica era stato conferito solo a compositori classici. Il premio ha dichiarato che il jazz non era più semplicemente musica di intrattenimento, ma una delle più alte forme d'espressione artistica americana. Nel 2007, Ornette Coleman ha vinto il Pulitzer per il suo album "Sound Grammar" - la seconda grande vittoria del jazz in questa arena.

L'ascesa dei Maestri del Jazz Moderno

Questi cambiamenti hanno inevitabilmente influenzato il suono della musica. Se avevi ancora dubbi sul fatto che il jazz non fosse più un semplice intrattenimento ma una forma d'arte seria, bastava osservare l'atteggiamento solenne delle nuove stelle dei tardi anni '90 e primi anni 2000 nei concerti. L'artista che forse ha riflesso questa serietà più chiaramente era il pianista Brad Mehldau. Sembrava provare una profonda avversione a sorridere sulle copertine dei suoi album e citava filosofi tedeschi nelle note di copertina. In un'occasione, un saggio accademico che esaminava le riflessioni della filosofia di Nietzsche nella sua musica era persino disponibile per il download sul sito web del pianista. Ma la singolare serietà dell'arte di Mehldau emergeva soprattutto sul palco, dove reinterpretava magistralmente canzoni popolari e le sue acute composizioni.

Matthew Shipp ha adottato un approccio diverso. Ha dovuto difendere la sua indipendenza contro chi lo voleva etichettare come seguace di Cecil Taylor. Ma Shipp era troppo complesso come musicista per essere inquadrato in semplici alberi genealogici. Poteva scatenare attacchi atonali titanici al pianoforte - qualcosa che dimostrava già durante il suo apprendistato nel gruppo del sassofonista David S. Ware - ma poteva anche lavorare alla grande all'interno di cambiamenti armonici tradizionali o con semplici figure pentatoniche.

Geri Allen è stata una delle pianiste più importanti di quest'epoca. È stata tra i primi studenti a conseguire una laurea nel programma di jazz della Howard University e ha poi completato un master in etnomusicologia presso l'Università di Pittsburgh. Ma evidentemente nessuno ha mai detto ad Allen che gli accademici dovrebbero rimanere nelle loro torri d'avorio. Ha abbattuto ogni tipo di barriera — culturale, stilistica o geografica. Poteva riportare in vita la musica del pioniere del jazz di Kansas City Mary Lou Williams con autenticità meticolosa e allo stesso tempo collaborare con il leader dell'avanguardia Ornette Coleman.

Tra i sassofonisti emersi, Joe Lovano ha portato avanti con grande abilità il suo impegno nel trarre ispirazione dal passato senza rimanerne intrappolato. Nel suo eccezionale doppio album dal vivo registrato al Village Vanguard nel 1995, ha reso un impressionante omaggio a Ornette Coleman con il brano "Fort Worth". Nel suo precedente album Rush Hour, il sassofonista ha collaborato con il fondatore del Third Stream Gunther Schuller.

Joshua Redman, nato a Berkeley nel 1969, ha seguito una strada diversa. Cresciuto sulla costa occidentale e con un brillante percorso accademico — è stato valedictorian della sua scuola superiore e ha frequentato Harvard — Redman ha considerato l'idea di diventare medico o avvocato prima di scegliere il sassofono. Ma come Lovano, è emerso come una figura unificante che ha attinto da molte correnti senza appartenere completamente a nessuna.

Chris Potter è l'esempio perfetto del sassofonista contemporaneo colto e preparato. Nato a Chicago, si è trasferito a New York all'età di diciotto anni e ha ricevuto una formazione formale alla New School e alla Manhattan School of Music. Tuttavia, ben presto ha iniziato a farsi un nome nei locali della città. Oltre a guidare i propri ensemble, Potter è apparso in circa duecento registrazioni diverse. Con ottime ragioni: sa fare quasi tutto con quasi ogni tipo di sassofono (e, quando necessario, anche con il clarinetto basso, il flauto e altri strumenti).

Il jazz si fa globale: la musica classica americana si apre al mondo

Intorno al 2015, la storia di jazz più discussa dai media riguardava un ragazzino di undici anni: Joey Alexander. Era ovunque allo stesso tempo. La sua musica divenne virale sul web, ottenne una copertura di primo livello sul New York Times, apparve nel programma di notizie 60 Minutes della CBS e si esibì come headliner al Newport Jazz Festival. Quando salì sul palco dei Grammy Awards, questo bambino prodigio ricevette una standing ovation dai leader dell'industria musicale. Ma coloro che conoscono bene il mondo della musica avrebbero dovuto essere ancora più colpiti dalle origini di Joey Alexander a Bali, in Indonesia. Ciò è particolarmente sorprendente se si considera che l'Indonesia è il quarto paese più popoloso al mondo e vanta una delle tradizioni musicali più ricche del pianeta.

Da anni, con una strana forma di compiacimento, gli appassionati di jazz negli Stati Uniti proclamano il jazz come "la musica classica americana". C'è qualcosa di piacevole in questa frase, ma un'analisi più attenta del mondo del jazz racconta una storia diversa: molti degli sviluppi più entusiasmanti di questa forma d'arte stanno avvenendo al di fuori della sua patria musicale, e questo accade sempre di più con ogni decennio che passa.

Oggi a Londra questo è particolarmente evidente. La scena jazz della città sta crescendo da decenni, ma tradizionalmente traeva ispirazione dagli Stati Uniti. I ruoli si sono quasi invertiti. Molti musicisti e appassionati americani non solo prestano molta attenzione ai nuovi suoni provenienti dal Regno Unito, ma invidiano sempre di più un ecosistema jazz britannico che sostiene una vasta gamma di stili e prospettive innovative, attrae un pubblico giovane entusiasta e ottiene riconoscimenti dai media tradizionali. Artisti come Shabaka Hutchings, Nubya Garcia, Ezra Collective e Moses Boyd hanno conquistato il loro spazio sulla scena mondiale, diventando brillanti rappresentanti della nuova onda jazz londinese. La vittoria del Mercury Prize 2023 da parte di Ezra Collective è stata la prova concreta della forza di questa nuova corrente.

L'ascesa del jazz in Europa e Asia

L'ascesa alla fama alla fine degli anni '90 del pianista svedese Esbjörn Svensson e del suo trio e.s.t. - con il bassista Dan Berglund e il batterista Magnus Öström - è stato un evento importante in questo contesto. Con una serie di premi in tutta Europa e un seguito fedele e consolidato, e.s.t. aveva trovato il modo di avere un impatto globale e un pubblico mondiale prima ancora di arrivare in America. La musica del gruppo era altrettanto non convenzionale quanto il loro stile esecutivo, piena di cambi e virate inaspettati. Il trio poteva costruire ricche e complesse strutture massimaliste in termini di movimento armonico; eppure, senza preavviso, e.s.t. poteva passare a un libero e aperto jam session o iniziare un dialogo laconico tra gli strumenti.

Nella scena del jazz europeo, il collettivo o l'organizzazione spesso assumono un ruolo più rilevante rispetto all'individuo. Questo è evidente sia in organizzazioni di tipo AACM come F-ire Collective e Loop Collective nel Regno Unito, che nella struttura più collaborativa della maggior parte dei gruppi di testa. Ciò contrasta nettamente con le orchestre jazz americane che hanno sempre portato il nome del leader, ma la differenza è un utile promemoria delle idee collettiviste che permeano gran parte dell'ecosistema del jazz europeo.

L'etichetta discografica tedesca ECM Records ha forse svolto il ruolo più importante nel portare il jazz europeo alla ribalta mondiale. Fondata nel 1969 da Manfred Eicher, ECM ha pubblicato album di artisti come Keith Jarrett, Jan Garbarek, Tomasz Stańko e Anouar Brahem, introducendo l'estetica del jazz europeo - più contemplativa, meditativa, a volte quasi classica - al mondo intero.

Le scene jazz dell'America Latina e della regione Asia-Pacifico non sono altrettanto autosufficienti, a causa di una relativa scarsità di finanziamenti e sostegno istituzionali. Ciò non significa che queste regioni non producano grandi talenti jazz; piuttosto, faticano a coltivarli, trattenerli e sostenerli. Il Giappone ha svolto un ruolo unico nel sostenere il jazz nelle sue città. Il pubblico giapponese ha accolto la musica con un entusiasmo e una distintività raramente eguagliati altrove, e il numero di locali che propongono jazz - dal vivo nei club e nelle sale da concerto, o attraverso registrazioni nei numerosi caffè jazz del paese - mette gran parte del resto del mondo in ombra. I musicisti jazz giapponesi come Hiromi Uehara, Makoto Ozone e Terumasa Hino godono di grande rispetto sulla scena internazionale.

Programmi di Studi sul Jazz: Una Prospettiva Globale

Oggi, i programmi di studi sul jazz sono presenti in centinaia di università in tutto il mondo. Negli Stati Uniti, istituzioni come Berklee, Juilliard, The New School, l'Università del Nord Texas e la Manhattan School of Music continuano a essere all'avanguardia, mentre in Europa scuole come il Conservatorio di Amsterdam, la Guildhall School of Music di Londra, il Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse di Parigi e l'Accademia Norvegese di Musica di Trondheim offrono programmi di jazz di alto livello.

Non c'è dubbio che questi programmi abbiano contribuito ad elevare il jazz al rango di "musica d'arte seria". Oggi un musicista jazz può intraprendere una carriera lungo un percorso accademico strutturato tanto quanto quello di un musicista classico. I dottorati in esecuzione jazz e composizione jazz sono tra i segni più tangibili della legittimità accademica di questa musica. Ma questo processo di accademizzazione ha portato con sé anche una tensione: il jazz non rischia di perdere la sua spontaneità e il suo spirito da strada?

La verità è che le migliori istituzioni per l'educazione jazz riescono a trovare questo equilibrio. Al Berklee, uno studente frequenta lezioni di armonia e contrappunto al mattino e si unisce alle sessioni di improvvisazione nei jazz club di Boston la sera. La conoscenza teorica e l'esperienza pratica vanno di pari passo. Inoltre, le opportunità offerte dall'era digitale - lezioni su YouTube, masterclass online, facile accesso alle trascrizioni - hanno democratizzato l'educazione jazz e la rendono accessibile ai giovani musicisti in ogni angolo del mondo.

Conclusione: Il Futuro del Jazz

Quando il jazz emerse per la prima volta come fenomeno commerciale, forse si distingueva come uno stile locale specifico - un particolare modo di suonare gli strumenti e di fondere le texture sonore, con New Orleans come suo epicentro. Con il passare degli anni, tuttavia, il jazz passò da un insieme statico di pratiche ad un'attitudine, da una fedeltà servile al collaudato ad un'apertura alle possibilità - e nessuna singola città, paese o regione può contenere la sua insaziabile voglia di tutto.

Se osserviamo la storia del jazz nel suo primo secolo, forse la sua caratteristica più distintiva è questa riluttanza a restare fermo, questo imperativo di assorbire altri suoni e influenze, questo destino come musica di flusso e fusione. Ogni luogo è quindi la sua casa, ma nessuno, probabilmente, sarà la sua destinazione finale. L'istruzione e la globalizzazione potrebbero aver trasformato il mondo del jazz, ma l'energia, l'entusiasmo, la spontaneità e soprattutto la capacità di commuovere le persone che stanno alla base di esso - questi valori fondamentali - vivono ancora nel cuore del jazz.

Oggi il futuro del jazz sembra più luminoso di quanto lo sia mai stato. L'incontro tra hip-hop e jazz di Robert Glasper, i concerti da stadio di Kamasi Washington con i suoi album jazz, le vittorie ai Grammy di Snarky Puppy per la loro musica collettiva - tutto questo dimostra che i confini del jazz continuano ad espandersi. Dai Grammy al Pulitzer, dai programmi universitari ai festival mondiali, il percorso di trasformazione del jazz ha da tempo superato la storia della musica di strada che raggiunge lo status di forma d'arte seria. Il jazz è ora una parte inseparabile del patrimonio culturale condiviso dell'umanità. Ecco perché il mondo accademico può essere adattato dal jazz, ma sembra improbabile che il jazz venga adattato in modo significativo al mondo accademico. Il jazz, come sempre, continuerà ad adattarsi, trasformarsi e sorprendere i suoi ascoltatori.