El jazz al final del siglo XX: tradicionalistas y posmodernos

Tradicionalistas: Un Retorno al Pasado y Fidelidad a las Raíces

Para finales de la década de 1970, estaba teniendo lugar una interesante transformación en el mundo del jazz. Formas experimentales y eléctricas como el free jazz y la fusión seguían siendo populares, pero un grupo de músicos comenzó a regresar a los estilos acústicos tradicionales del jazz. Este retorno no fue simplemente un movimiento nostálgico; fue un esfuerzo por reconectar con las raíces del jazz. En realidad, los estilos tradicionales del jazz nunca habían desaparecido completamente. Incluso en la cima del free jazz y la fusión, muchos artistas continuaron por sus propios caminos — pero no estaban atrayendo suficiente atención. Con la fundación de Norman Granz del sello Pablo en la década de 1970, legendarios músicos como Duke Ellington, Ella Fitzgerald y Oscar Peterson tuvieron la oportunidad de grabar nuevamente. Otros sellos más pequeños —Steeplechase, Concord, Muse, Chiaroscuro— también se centraron en formas tradicionales del jazz.

Wynton Marsalis y el Neotradicionalismo

Este resurgimiento tradicional se aceleró aún más con la aparición del brillante joven trompetista Wynton Marsalis. Nacido el 18 de octubre de 1961 en Kenner, Luisiana, Marsalis creció inmerso en el rico legado de la tradición del jazz de Nueva Orleans. Su padre, Ellis Marsalis, era un respetado pianista y educador de jazz; su hermano mayor, Branford Marsalis, se convertiría en un saxofonista de renombre mundial. A los 14 años, Marsalis interpretó el Concierto para trompeta de Haydn con la Orquesta Filarmónica de Nueva Orleans; a los 18 ingresó en Juilliard; y a los 19 comenzó a tocar con maestros del jazz como Art Blakey y Herbie Hancock. A los 20 años, fue contratado por CBS Records como artista clásico y de jazz, un movimiento sin precedentes por parte de la compañía discográfica más poderosa del mundo.

Marsalis logró algo raro en la historia de la música: se convirtió en el primer y único artista en ganar premios Grammy tanto en música clásica como en jazz. Al obtener el premio Grammy al jazz en 1983 y el premio Grammy a la música clásica en 1984, demostró que podía actuar al más alto nivel en ambos géneros.

Las primeras grabaciones de Marsalis en la década de 1980 fueron altamente variadas. En un tema como "Hesitation", evocaba el estilo temprano de Ornette Coleman, mientras que en piezas como "Father Time" comenzaba a explorar estructuras compositivas más complejas. Sin embargo, la carrera de Marsalis experimentó una transformación importante con los álbumes "Marsalis Standard Time, Vol. 1" y "Live at Blues Alley". En estos proyectos, al reinterpretar estándares de jazz en diferentes estructuras métricas como 6/8, 12/8 y 5/4, demostró hasta dónde se podían llevar las antiguas canciones de jazz.

Con el álbum "The Majesty of the Blues", Marsalis exploró un enfoque más "sucio" favorecido por los músicos de jazz pre-bop. Buscó revivir la estética de los años veinte de King Oliver y Bubber Miley. El blues se convirtió en un foco importante para Marsalis. La influencia del crítico y mentor Stanley Crouch y la visión estética esbozada en el libro de Albert Murray "Stomping the Blues" fueron decisivas en esto.

Jazz en el Centro Lincoln: La Cara Institucional del Jazz

La visión musical de Marsalis adquirió una identidad institucional con Jazz at Lincoln Center (JALC), fundada en 1988. Como director artístico de la organización, Marsalis creó una de las plataformas más prestigiosas del jazz. La Orquesta Jazz at Lincoln Center de 15 miembros se convirtió en un conjunto donde Marsalis pudo desplegar su talento como compositor.

Lanzado en 1994, «Blood on the Fields» fue la obra más ambiciosa de Marsalis. El oratorio, que retrata la experiencia de la esclavitud, ganó el Premio Pulitzer de Música en 1997, convirtiéndose en la primera obra del mundo del jazz en recibir dicho premio y marcando un hito importante en la aceptación académica y cultural del jazz como «música seria».

Sin embargo, la visión de Marsalis no estuvo exenta de controversia. Algunos críticos argumentaron que la definición de la tradición del jazz por parte del Centro Lincoln era demasiado estrecha y excluía a los músicos de vanguardia y con influencia europea. En una entrevista, Keith Jarrett criticó abiertamente el enfoque de Marsalis. A pesar de ello, a lo largo de los años, Marsalis realizó una importante contribución al bien general del jazz al mentorizar a jóvenes músicos, defender la importancia cultural de la música y su capacidad para movilizar recursos financieros. Con su propia sala de conciertos en el Frederick P. Rose Hall, JALC continúa siendo una de las instituciones de jazz más importantes del mundo.

Posmodernistas: Revolucionarios que rompen barreras y mezclan géneros

Desde mediados de la década de 1970, también comenzó a desarrollarse un movimiento diferente en el mundo del jazz. Mientras que los tradicionalistas trataban de preservar el legado del jazz, los pioneros del jazz posmoderno también se involucraron con el pasado de la música, pero lo hicieron desde una perspectiva muy distinta. Reconociendo que no se podía escapar del pesado legado de la tradición del jazz, los posmodernos aplicaron un enfoque deconstruccionista en lugar de simplemente celebrar el pasado.

Los primeros signos de este giro posmoderno se pueden observar en el trabajo de músicos asociados con la Asociación para el Avance de Músicos Creativos (AACM) en Chicago. La AACM fue fundada en 1965 bajo el liderazgo del pianista Muhal Richard Abrams. Músicos como Roscoe Mitchell, Joseph Jarman, Anthony Braxton y Lester Bowie, en contraste con las definiciones tradicionales de armonía y melodía, se centraron en las cualidades del sonido en sí mismo.

El Art Ensemble of Chicago —el grupo formado por Roscoe Mitchell, Joseph Jarman, Lester Bowie, Malachi Favors y Don Moye— se convirtió en un ejemplo definitorio del jazz posmoderno. El lema del grupo, «Gran Música Negra de lo Antiguo a lo Moderno», captó adecuadamente su enfoque de la tradición. Las piezas de gospel o funk podían coexistir junto con la disonancia y el ruido. Su amor por los disfraces y el maquillaje inusuales confirmaron los elementos de arte escénico que habían estado latentes en el idioma del jazz durante mucho tiempo.

El saxofonista Anthony Braxton se convirtió en un brillante campeón de la ola posmoderna. Braxton encarnó perfectamente el entusiasmo posmoderno que podía digerir cualquier estilo e incorporar cualquier sonido imposible a su obra. Se sentía igualmente cómodo escribiendo para dos pianos, tres metales, cuatro palas amplificadas o cien tubas. Junto a Coltrane y Coleman, no temía contar entre sus influencias a Schoenberg, Webern, Cage y Stockhausen.

El saxofonista David Murray mostró una asombrosa productividad, con aproximadamente ciento cincuenta grabaciones antes de cumplir los cuarenta años. Trabajó en una variedad de formatos, desde saxofón solo hasta grandes orquestas. Afirmando que "la música debe empezar a swingar de nuevo", Murray combinó la influencia de Mingus y Ellington en una voz innovadora, tanto como compositor como intérprete.

El World Saxophone Quartet (WSQ), compuesto por David Murray, Julius Hemphill, Oliver Lake y Hamiet Bluiett, se fundó en 1976 cuando sus miembros descubrieron que el público respondía positivamente a su música sin una sección rítmica. Con su música transfronteriza, podían rendir homenaje a Ellington en un momento, pasar a la atonalidad al siguiente, o marcar un ritmo inspirado en la música africana y el soul.

John Zorn y la Escena del Bajo Manhattan

El saxofonista y compositor John Zorn se convirtió en el representante más radical del jazz posmoderno. La obra de Zorn encaja en varias categorías amplias. Sus "piezas de juego" ofrecen instrucciones que proporcionan un marco para la composición, en lugar de las estructuras basadas en acordes y compases del jazz tradicional. El álbum Cobra ofrece una muestra de los diferentes resultados posibles que pueden surgir de una pieza de juego específica para doce músicos. El sello de Zorn, Tzadik, se ha convertido en una de las plataformas más importantes de la escena musical experimental del bajo Manhattan en Nueva York.

Otros posmodernistas y afines como Tim Berne, Wayne Horvitz, Bill Frisell y Bobby Previte llevaron la irreverencia de los modelos de Zorn un paso más allá. Los gustos de Zorn se extendían mucho más allá del mundo del jazz: el punk rock, la música aleatoria, el klezmer o las bandas sonoras de espagueti occidental podían combinarse en cualquier proyecto.

Acid Jazz y Nu Jazz: La reinterpretación de la era electrónica del jazz

El acid jazz y el nu jazz son géneros que surgieron en las décadas de 1980 y 1990, respectivamente, como una fusión innovadora entre el jazz tradicional y los sonidos electrónicos. Estos estilos representan la evolución del jazz en la era digital, donde los sintetizadores, las cajas de ritmos y las técnicas de producción moderna se fusionan con las raíces del jazz para crear algo nuevo y emocionante.

Acid Jazz:
El acid jazz, también conocido como "acid swing" o "club jazz", se originó en el Reino Unido a finales de los 80. Combina elementos del jazz, funk, soul y música electrónica. Los artistas de acid jazz utilizan sintetizadores, samplers y secuenciadores para crear ritmos groovy y melodías inspiradas en el jazz, a menudo con un toque psicodélico. Bandas y DJs como Jamiroquai, Incognito y US3 fueron pioneros en este género, llevando el jazz a las pistas de baile y creando un ambiente festivo y energético.

Nu Jazz:
El nu jazz, por su parte, es un género más experimental y ecléctico que surgió en la década de 1990. Abarca una amplia gama de estilos, desde el jazz fusión hasta el ambient y el trip-hop. Los artistas de nu jazz a menudo experimentan con estructuras musicales no convencionales, ritmos complejos y texturas sonoras electrónicas. Portishead, Massive Attack y Thievery Corporation son algunos de los nombres asociados con este género, que crea atmósferas introspectivas y cinematográficas.

Ambos géneros han contribuido a revitalizar el interés por el jazz entre las nuevas generaciones, demostrando que la esencia del jazz puede adaptarse y prosperar en la era electrónica. Con su enfoque en la innovación y la fusión, el acid jazz y el nu jazz siguen evolucionando y atrayendo a audiencias diversas que aprecian la mezcla única de tradición y modernidad.

Nacido en Londres a finales de la década de 1980, el movimiento acid jazz abrió un capítulo importante en la evolución posmoderna del jazz. Desarrollado bajo el liderazgo del DJ Gilles Peterson y el presentador de radio Chris Bangs, esta corriente combinó el espíritu improvisado del jazz con el funk, el soul y la música electrónica de baile. Grupos como Jamiroquai, Brand New Heavies, Incognito y Us3 se convirtieron en los representantes más reconocidos del acid jazz. El tema "Cantaloop" de Us3, lanzado en 1993, que reinterpretó "Cantaloupe Island" de Herbie Hancock con ritmos de hip-hop, fue un éxito mundial.

El nu jazz (o "jazz futuro") fue un movimiento que surgió a finales de los años 90 y principios de los 2000, combinando técnicas de producción musical electrónica con la improvisación del jazz. El álbum Tourist (2000) de St Germain mezcló ritmos de música house con muestras de jazz y vendió millones de copias. El trompetista noruego Nils Petter Molvær, al combinar paisajes sonoros electrónicos ambientales con su trompeta de jazz, se convirtió en uno de los pioneros del nu jazz europeo. Estas corrientes llevaron el jazz a las pistas de baile de los clubes nocturnos y llegaron a un público más joven y variado.

El guitarrista Bill Frisell y el jazz americana

Una de las figuras más influyentes del jazz posmoderno fue el guitarrista Bill Frisell. Frisell logró integrar todas las capas de la música estadounidense —country, folk, americana, bandas sonoras de cine, jazz y la vanguardia— en una única visión musical. Desde sus primeras grabaciones en ECM Records, desarrolló un estilo único que combinaba tonos de guitarra tradicionales con efectos electrónicos y paisajes sonoros ambientales.

Su álbum de 1997, Nashville, fue un proyecto audaz que reinterpretó la música country desde una perspectiva jazzística. Álbumes como Good Dog, Happy Man (1999) y Guitar in the Space Age! (2014) redescubrieron diferentes períodos de la tradición musical estadounidense a través de una lente posmoderna. El enfoque de Frisell representó el rostro más cálido y accesible del jazz posmoderno: una actitud más nostálgica que irónica, más inclusiva que destructiva.

La influencia de Frisell se hizo sentir profundamente, especialmente entre los guitarristas más jóvenes. Guitarristas contemporáneos como Mary Halvorson, Julian Lage y Ben Monder han seguido el camino que él abrió, redefiniendo el papel de la guitarra en el jazz.

Robert Glasper y la fusión de Jazz-Hip-Hop

Una de las desarrollos más emocionantes en el mundo del jazz en los años 2000 y 2010 fue la fusión de jazz-hip-hop liderada por Robert Glasper. El pianista nacido en Houston, trabajando tanto con un trío de jazz acústico (Robert Glasper Trio) como con un conjunto orientado electrónicamente (Robert Glasper Experiment), construyó un puente único entre dos mundos musicales diferentes.

Lanzado en 2012, el álbum Black Radio marcó un punto de inflexión en la historia del jazz. Con colaboraciones de artistas de R&B y hip-hop como Erykah Badu, Musiq Soulchild, Lupe Fiasco y Yasiin Bey (Mos Def), el álbum ganó un Grammy al Mejor Álbum de R&B. Glasper demostró que un músico de jazz también podía ser reconocido al más alto nivel en el mundo del hip-hop y el R&B.

La influencia de Glasper también galvanizó a un grupo de músicos más jóvenes. Figuras como Terrace Martin, Kamasi Washington, Thundercat y Chris Dave formaron un nuevo ecosistema de jazz-hip-hop con base en Los Ángeles. Al combinar elementos de jazz con hip-hop en el aclamado álbum To Pimp a Butterfly (2015) de Kendrick Lamar, estos músicos fortalecieron la presencia del jazz en la cultura popular. El álbum de tres discos The Epic (2015) de Kamasi Washington demostró que un álbum de jazz podía generar gran interés tanto en los medios convencionales como en el mundo de la música independiente.

La escena del jazz europeo y nuevas voces

En el período posmoderno, la escena del jazz europeo afirmó cada vez más su propia identidad, distinta del jazz estadounidense. La visión estética de ECM Records bajo Manfred Eicher presentó al mundo el carácter reflexivo, meditativo y a veces minimalista del jazz europeo. El tono de saxofón de Jan Garbarek, evocador de los paisajes escandinavos; la melancolía y el lirismo de Tomasz Stańko de Europa del Este; y el encuentro de Anouar Brahem entre la tradición del laúd del norte de África con el jazz contemporáneo —cada uno representó un aspecto diferente de la voz distintiva del jazz europeo.

A partir de la década de 2010, la nueva escena del jazz de Londres atrajo un gran interés mundial. Figuras como Shabaka Hutchings (Sons of Kemet, The Comet Is Coming), Nubya García, Ezra Collective y Moses Boyd crearon un sonido fresco y enérgico al fusionar las tradiciones musicales caribeñas, africanas y urbanas británicas con el jazz. El hecho de que Ezra Collective ganara el Premio Mercury en 2023 fue una prueba concreta del poder de esta nueva ola.

En los años 2000, The Bad Plus, un trío formado por el pianista Ethan Iverson, el bajista Reid Anderson y el baterista Dave King, indignó a los snobs del jazz con sus versiones de material extremo de Nirvana, Black Sabbath y los Bee Gees, mientras que al mismo tiempo encontró una gran audiencia de nuevos aficionados al jazz.

Conclusión: El Encuentro de Dos Caminos

En última instancia, el jazz en el último cuarto del siglo XX y el primero del XXI alcanzó una extraordinaria diversidad gracias a la tensa relación entre tradicionalistas y posmodernos. Wynton Marsalis y Jazz at Lincoln Center consolidaron el lugar del jazz en el patrimonio cultural de Estados Unidos a nivel institucional, mientras que corrientes como el acid jazz, el nu jazz y la fusión de jazz con hip-hop expandieron continuamente los límites de la música. Figuras como Robert Glasper, Kamasi Washington y la nueva ola de Londres demostraron que el jazz puede seguir existiendo en el siglo XXI como una forma de arte vibrante, dinámica y relevante.

Los tradicionalistas intentaron preservar el legado del jazz, mientras que los posmodernos tomaron ese legado y lo descompusieron, para luego reconstruirlo de formas completamente nuevas e innovadoras. Tal vez la verdadera fortaleza del jazz radica precisamente en la coexistencia de estos dos enfoques. Respetar y preservar el pasado del jazz, y reinterpretar ese pasado de maneras nuevas e inesperadas, son parte integral del ADN de esta música. Esta dialéctica es la garantía más sólida de que el jazz seguirá renovándose y perdurará en el futuro.