La transformación del jazz: de música callejera a forma artística académica

De la exclusión a la aceptación: El primer siglo del jazz

Al observar la historia del jazz, lo que más me ha impresionado es cómo este género logró sobrevivir durante casi medio siglo con casi ningún apoyo institucional. En la primera mitad del siglo XX, ser músico de jazz significaba estar completamente por cuenta propia, subsistiendo con el liderazgo de bandas a corto plazo y un apoyo público fluctuante. En esa época, lo más cercano a un "empleo estable" para un músico de jazz era un lugar en una banda de gira exitosa; incluso así, eso podía terminar en cualquier momento. Los músicos podían encontrarse varados lejos de casa, a veces literalmente lanzados del autobús de gira en el camino.

¿Puedes imaginarlo? Más allá de la cuestión de invitarlos a actuar en el campus, los profesorados estaban fuera de discusión. Solicitar las becas y residencias artísticas que son comunes hoy en día era casi impensable. El pionero del piano stride James P. Johnson solicitó una Beca Guggenheim en la década de 1930 y (como podrías esperar) fue rechazado. Pero lo que es llamativo, dada la mentalidad de la época, es que incluso se le ocurriera postularse. Para mostrar hasta qué punto era grave la situación: en 1949, la revista Downbeat lanzó un concurso para elegir un nuevo nombre para el jazz. Muchas personas creían que el antiguo nombre estaba manchado por asociaciones negativas y que la música necesitaba una etiqueta más respetable. La entrada ganadora, que se llevó el premio de mil dólares, fue "Crewcut". Afortunadamente, el concurso pronto fue olvidado y continuamos usando la palabra "jazz".

El jazz entra en la academia: un punto de inflexión

En la década de 1950, el jazz experimentó un punto de inflexión importante. Aparecieron los primeros libros de texto de jazz y unas treinta universidades comenzaron a ofrecer cursos sobre el tema. Esto puede parecer poco en comparación con la situación actual, en la que casi todas las universidades han incorporado el jazz de alguna manera y más de cien ofrecen programas de grado formales, pero en su momento marcó un gran cambio. Las actuaciones de jazz en los campus, que anteriormente se limitaban a entornos informales como fiestas de fraternidades y bailes organizados por estudiantes, comenzaron a recibir la aprobación oficial de los administradores.

Tardó una generación entera en sentirse el impacto de esa transformación en la escena del jazz. La atmósfera del jazz en las décadas de 1980 y 1990 reflejaba este cambio: un número creciente de nuevos valores con una mayor conciencia histórica capaces de moverse con facilidad entre diferentes estilos. Para esta generación, la formación académica y los títulos universitarios se convirtieron en la norma, no en la excepción. Por supuesto, la transición no estuvo exenta de conflictos. Aquellos alineados con los estilos y actitudes de épocas anteriores se quejaban de que los nuevos músicos sufrían de demasiado conocimiento académico. Para ellos, el jazz con pedigrí académico era una fría imitación de la verdadera esencia del jazz. El verdadero jazz se había forjado en el mundo salvaje de las bandas de gira y las exigentes sesiones de improvisación, no sentado en un aula leyendo un libro de texto.

El surgimiento de las instituciones educativas de jazz

La entrada del jazz en el ámbito académico se produjo bajo el liderazgo de ciertas instituciones. Cuando se fundó el Berklee College of Music en Boston en 1945, fue una de las pocas escuelas que tomaban en serio el jazz como disciplina académica. El fundador de la escuela, Lawrence Berk, creía que los músicos de jazz, al igual que los músicos clásicos, necesitaban una formación sistemática. Hoy en día, Berklee es una de las escuelas de música más prestigiosas del mundo, acogiendo a miles de estudiantes cada año y con numerosos artistas ganadores de premios Grammy entre sus antiguos alumnos.

La Universidad de North Texas (entonces Universidad Estatal de North Texas) se convirtió, en 1947, en una de las primeras universidades importantes en lanzar formalmente un programa de estudios de jazz. La banda de laboratorio One O'Clock de la escuela se convirtió en un conjunto de renombre mundial y muchos músicos profesionales comenzaron a tocar en esta banda. El Conservatorio de Nueva Inglaterra, bajo el liderazgo de Gunther Schuller en las décadas de 1960 y 1970, amplió los límites de la educación del jazz y llevó el concepto de Tercera Corriente a la academia. Instituciones como la Escuela de Música Manhattan, la Nueva Escuela para el Jazz y la Música Contemporánea, y la Universidad de Indiana también desarrollaron fuertes programas de jazz a partir de la década de 1970, consolidando la infraestructura académica en este campo.

Un desarrollo similar tuvo lugar en Europa. El Conservatorio de Ámsterdam en los Países Bajos y el Rytmisk Musikkonservatorium (Conservatorio de Música Ritmica) en Dinamarca se convirtieron en pioneros en la educación del jazz europeo. Mientras enseñaban la tradición del jazz estadounidense, estas escuelas también sentaron las bases para la emergencia de una propia identidad del jazz europeo.

La educación del jazz en Turquía

La institucionalización de la enseñanza del jazz en Turquía comenzó relativamente tarde, pero avanzó con rapidez. La Universidad de Bilkent, fundada en 1986, dio un paso pionero al incluir los estudios de jazz en su facultad de música. El departamento de música de la Universidad Bilgi de Estambul, con docentes como Tuna Ötenel e İmer Demirer impartiendo clases desde la década de 2000, se convirtió en un centro importante para la formación de jazz en Turquía. La Universidad Haliç, la Universidad Bahçeşehir y el Conservatorio Estatal de Música Turca de la Universidad Técnica de Estambul también se sumaron a las instituciones que ofrecen enseñanza de jazz. Estos avances incrementaron de forma significativa tanto el número como la calidad de los jóvenes músicos de jazz formados en Turquía.

Festivales de Jazz: El Escenario Global de la Música

La historia de los festivales de jazz está directamente ligada a la legitimación de la música. El Festival de Jazz de Newport, fundado en 1954, pasó a la historia como el primer festival de jazz importante del mundo. Cocreado por la visión de George Wein, el festival llevó el jazz al aire libre y a grandes audiencias, cambiando fundamentalmente la percepción de la música. El documental de 1958 "Jazz on a Summer's Day" llevó la magia de Newport al mundo.

Festivales importantes como el Festival de Jazz de Montreux (1967), el Festival de Jazz del Mar del Norte (1976) y el Festival Internacional de Jazz de Montreal (1980) desempeñaron un papel crucial en el reconocimiento del jazz como una forma de arte global. El Festival Internacional de Jazz de Montreal entró en el Libro Guinness de los Récords Mundiales como el festival de jazz más grande del mundo, atrayendo a más de dos millones de visitantes cada año.

En Turquía, el Festival de Jazz de Estambul se ha organizado desde 1994 por la Fundación de Cultura y Artes de Estambul (İKSV) y se ha convertido en uno de los festivales de jazz más respetados del mundo. Eventos como el Festival de Jazz Akbank, los programas del Club de Jazz Nardis y el Festival de Jazz de Ankara también reflejan la riqueza de la vida festivalera en Turquía. Estos festivales tanto traen nombres internacionales al público turco como brindan a los músicos de jazz turcos un escaparate internacional.

Los Grammy y el jazz: Reconocimiento por parte de la industria musical

Los Premios Grammy desempeñaron un papel fundamental en la aceptación del jazz como «música de arte seria». Cuando se celebró la primera ceremonia de los Grammy en 1959, el jazz ya tenía sus propias categorías. A lo largo de los años, estas categorías se ampliaron y refinaron. En la actualidad, los Grammy incluyen numerosas categorías de jazz, como Mejor Álbum de Jazz Vocal, Mejor Álbum de Jazz Instrumental, Mejor Álbum de Conjunto de Jazz Grande, Mejor Álbum de Jazz Latino y Mejor Solo de Jazz Improvisado.

El premio Pulitzer que recibió Wynton Marsalis en 1997 por su oratorio "Blood on the Fields" se convirtió en una de las señales más concretas de la aceptación académica y cultural del jazz como "música seria". Hasta entonces, el Premio Pulitzer de Música solo se había otorgado a compositores clásicos. El premio declaró que el jazz ya no era simplemente música de entretenimiento, sino una de las más altas formas de expresión artística de Estados Unidos. En 2007, Ornette Coleman ganó el Pulitzer por su álbum "Sound Grammar" —la segunda gran victoria del jazz en este ámbito.

El surgimiento de los maestros del jazz moderno

Estos cambios afectaron inevitablemente al sonido de la música. Si tenías alguna duda de que el jazz ya no era un simple entretenimiento, sino una forma de arte seria, solo tenías que observar la solemne actitud en los conciertos de las nuevas estrellas de finales de los años 90 y principios de los 2000. El artista que quizás reflejó esta seriedad con más claridad fue el pianista Brad Mehldau. Parecía tener una profunda aversión a sonreír en las portadas de sus álbumes, y citaba a filósofos alemanes en las notas de sus discos. En un momento dado, incluso se podía descargar un artículo académico que examinaba los reflejos de la filosofía de Nietzsche en su música desde el sitio web del pianista. Pero la singular seriedad del arte de Mehldau se hacía más evidente sobre el escenario, donde reconfiguraba magistralmente canciones populares y sus propias composiciones audaces.

Matthew Shipp tomó un enfoque diferente. Ha tenido que defender su independencia contra aquellos que lo querían etiquetar como seguidor de Cecil Taylor. Pero Shipp era demasiado complejo como músico para tan simples árboles genealógicos. Podía desatar ataques titánicos de atonalidad en el teclado — algo que había estado demostrando desde su aprendizaje con el saxofonista David S. Ware — pero también podía trabajar su magia dentro de cambios armónicos tradicionales o con figuras pentatónicas simples.

Geri Allen fue una de las pianistas más importantes de esta época. Fue una de las primeras estudiantes en obtener un título del programa de jazz de la Universidad Howard y luego completó una maestría en etnomusicología en la Universidad de Pittsburgh. Pero al parecer, nadie le dijo a Allen que los académicos deben permanecer en sus torres de marfil. Ella derribó todo tipo de barreras: culturales, estilísticas o geográficas. Podía revivir la música de la pionera del jazz de Kansas City, Mary Lou Williams, con una autenticidad meticulosa, y al mismo tiempo colaborar con el líder de vanguardia Ornette Coleman.

Entre los saxofonistas que destacaron, Joe Lovano llevó a cabo, con gran habilidad, su compromiso de inspirarse en el pasado sin quedar atrapado en él. En su destacada grabación en vivo de dos discos en el Village Vanguard en 1995, rindió un impresionante homenaje a Ornette Coleman con la composición «Fort Worth». En su anterior álbum Rush Hour, el saxofonista colaboró con el fundador del Third Stream, Gunther Schuller.

Joshua Redman, nacido en Berkeley en 1969, siguió un camino diferente. Criado en la costa oeste y con éxito académico —se graduó como el mejor de su clase en la escuela secundaria y asistió a Harvard—, Redman consideró convertirse en médico o abogado antes de elegir el saxofón. Pero al igual que Lovano, se convirtió en una figura unificadora que se nutrió de muchos campos sin comprometerse completamente con ninguno.

Chris Potter es un ejemplo perfecto del saxofonista contemporáneo y bien educado. Nacido en Chicago, se mudó a Nueva York a los dieciocho años y recibió formación académica en la New School y la Manhattan School of Music, pero pronto comenzó a hacerse un nombre en los clubes nocturnos locales. Además de liderar sus propios conjuntos, Potter ha aparecido en aproximadamente doscientos discos diferentes. Y con razón: puede hacer casi cualquier cosa con casi cualquier saxofón (y, cuando se requiere, con clarinete bajo, flauta y otros instrumentos).

El jazz se globaliza: la música clásica de Estados Unidos se abre al mundo

Alrededor de 2015, la historia de jazz más comentada en los medios fue sobre un niño de once años: Joey Alexander. Estaba en todas partes al mismo tiempo. Su música se volvió viral en la red, obtuvo una cobertura de primer nivel en The New York Times, apareció en el programa de noticias 60 Minutos de CBS y encabezó un espectáculo en el Festival de Jazz de Newport. Cuando subió al escenario en los Premios Grammy, este prodigio infantil recibió una ovación de pie por parte de los líderes de la industria musical. Pero aquellos que conocen cómo funciona la industria de la música deberían haberse sorprendido aún más por los orígenes de Joey Alexander en Bali, Indonesia. Eso es especialmente sorprendente si se considera que Indonesia es el cuarto país más poblado del mundo y alberga una de las tradiciones musicales más ricas del mundo.

Durante años, con una extraña clase de complacencia, los aficionados al jazz en Estados Unidos han proclamado al jazz como "la música clásica de América". Hay algo agradable en la frase, pero un examen más detallado del mundo del jazz cuenta una historia diferente: muchos de los desarrollos más emocionantes de esta forma de arte están ocurriendo fuera de la patria del jazz, y eso es cada vez más cierto con cada década que pasa.

En la Londres de hoy, esto es especialmente notable. La escena del jazz allí ha crecido durante décadas, pero generalmente tomaba sus pistas estilísticas de Estados Unidos. Hoy en día, los roles se han invertido casi por completo. Muchos músicos y aficionados estadounidenses no solo están prestando atención de cerca a los nuevos sonidos que emergen del Reino Unido, sino que cada vez sienten más envidia de un ecosistema británico de jazz que apoya una amplia variedad de nuevos estilos y perspectivas, atrae a un público joven entusiasta y gana admiración en los medios de comunicación convencionales. Nombres como Shabaka Hutchings, Nubya García, Ezra Collective y Moses Boyd se han hecho un lugar en el escenario mundial como brillantes representantes de la nueva ola del jazz de Londres. La victoria de Ezra Collective en el Premio Mercury 2023 fue una prueba concreta del poder de esta nueva ola.

El surgimiento del jazz en Europa y Asia

El ascenso a la fama a finales de los años 90 del pianista sueco Esbjörn Svensson y su trío e.s.t. —con el bajista Dan Berglund y el baterista Magnus Öström— fue un evento importante en este contexto. Con una pila de premios a nivel europeo y una base de seguidores leales demostrada, e.s.t. había encontrado la manera de lograr un impacto global y una audiencia mundial antes incluso de llegar a Estados Unidos. La música del grupo era tan poco convencional como su estilo de interpretación, llena de giros y vueltas inesperados. El trío podía construir estructuras ricas, complejas y maximalistas en términos de movimiento armónico; sin embargo, con poca advertencia, e.s.t. podía pasar a un jam suelto y abierto o entablar un diálogo lacónico entre instrumentos.

En la escena del jazz europeo, el colectivo u organización a menudo tiene una presencia más destacada que el individuo. Esto se observa tanto en organizaciones tipo AACM como el F-ire Collective y el Loop Collective en el Reino Unido, como en la estructura más colaborativa de la mayoría de los grupos líderes. Esto contrasta fuertemente con las orquestas de jazz estadounidenses que siempre han llevado el nombre del director, pero la diferencia es un recordatorio útil de las ideas colectivistas que impregnan gran parte del ecosistema del jazz europeo.

El sello ECM Records de Alemania quizás ha desempeñado el papel más importante en llevar el jazz europeo al reconocimiento mundial. Fundado en 1969 por Manfred Eicher, ECM ha lanzado álbumes de artistas como Keith Jarrett, Jan Garbarek, Tomasz Stańko y Anouar Brahem, presentando la estética del jazz europeo, más contemplativa y meditativa, casi clásica en ocasiones, al mundo entero.

Las escenas de jazz de América Latina y el Pacífico asiático no son tan autosuficientes debido a la escasez comparativa de financiamiento e apoyo institucional. Esto no significa que estas regiones no produzcan grandes talentos del jazz; más bien, luchan por cultivarlos, retenerlos y sostenerlos. Japón ha desempeñado un papel único al apoyar al jazz en sus ciudades. El público japonés ha defendido la música con un entusiasmo y una distinción poco comunes en otros lugares, y el número de lugares que presentan jazz en vivo en clubes nocturnos y salas de conciertos, o a través de grabaciones en los muchos cafés de jazz del país, pone a gran parte del resto del mundo a la zaga. Los músicos de jazz japoneses como Hiromi Uehara, Makoto Ozone y Terumasa Hino gozan de un gran respeto en el escenario internacional.

Programas de Estudios de Jazz: Una Perspectiva Global

Hoy en día, los programas de estudios de jazz se encuentran en cientos de universidades de todo el mundo. En Estados Unidos, instituciones como Berklee, Juilliard, The New School, la Universidad de Norte Texas y la Manhattan School of Music siguen siendo líderes, mientras que en Europa escuelas como el Conservatorio de Ámsterdam, la Guildhall School of Music de Londres, el CNSMDP en París y la Academia Noruega de Música en Trondheim ofrecen sólidos programas de jazz.

No cabe duda de que estos programas han contribuido a elevar el jazz al estatus de "música artística seria". Hoy en día, un músico de jazz puede iniciar una carrera por un camino académico tan estructurado como el de un músico clásico. Los programas doctorales en interpretación y composición de jazz son algunas de las señales más tangibles de la legitimidad académica de esta música. Sin embargo, esta academización también ha traído consigo una tensión: ¿no corre el jazz el riesgo de perder su espontaneidad y su espíritu callejero?

La verdad es que las mejores instituciones de educación en jazz logran equilibrar ambos aspectos. En Berklee, un estudiante asiste a clases de armonía y contrapunto por la mañana y se une a sesiones de improvisación en los clubes de jazz de Boston por la noche. El conocimiento teórico y la experiencia práctica van de la mano. Además, las posibilidades de la era digital, como las lecciones de YouTube, las clases magistrales en línea y el fácil acceso a transcripciones, han democratizado la educación en jazz y la han hecho accesible para jóvenes músicos en cada rincón del mundo.

Conclusión: El Futuro del Jazz

Cuando el jazz surgió por primera vez como un fenómeno comercial, quizás se destacaba como un estilo local específico —una manera particular de tocar instrumentos y mezclar texturas sonoras, con Nueva Orleans como su epicentro—. Con el paso de los años, sin embargo, el jazz pasó de ser un conjunto estático de prácticas a una actitud, de una lealtad servil a lo probado a una apertura a las posibilidades; y ninguna ciudad, país o región puede contener su apetito abarcador.

Si examinamos la historia del jazz en su primer siglo, quizás su rasgo más definitorio es esta renuencia a quedarse estancado, este imperativo de absorber otros sonidos e influencias, este destino como música de flujo y fusión. Cada lugar es, por tanto, su hogar, pero ninguno, probablemente, será su última parada. La educación y la globalización pueden haber transformado el mundo del jazz, pero la energía, la emoción, la espontaneidad y, sobre todo, la capacidad de conmover a las personas que residen en su núcleo, estos valores fundamentales, siguen latentes en el corazón del jazz.

Hoy el futuro del jazz parece más brillante que nunca. El encuentro de Robert Glasper entre el hip-hop y el jazz, los conciertos en estadios de Kamasi Washington con sus álbumes de jazz, y las victorias de Snarky Puppy en los Grammy por su creación colectiva de música son pruebas de que los límites del jazz siguen ampliándose. Desde los Grammy hasta los Pulitzer, desde los planes de estudio universitarios hasta los festivales mundiales, el viaje transformador del jazz ha trascendido hace tiempo la historia de la música callejera para alcanzar el estatus de forma artística seria. El jazz es ahora una parte inseparable del patrimonio cultural compartido de la humanidad. Por eso, aunque el mundo académico puede adaptarse al jazz, parece poco probable que el jazz se adapte de manera significativa al mundo académico. El jazz, como siempre, seguirá adaptándose, transformándose y sorprendiendo a sus oyentes.