Джаз в конце XX века: традиционалисты и постмодернисты

Традиционалисты: Возвращение к прошлому и верность корням

К концу 1970-х в мире джаза происходила интересная трансформация. Экспериментальные и электрические стили, такие как фри-джаз и фьюжн, оставались популярными, но группа музыкантов начала возвращаться к традиционным акустическим джазовым стилям. Это возвращение было не просто ностальгическим движением; это была попытка вновь обрести корни джаза. На самом деле традиционные джазовые стили никогда полностью не исчезали. Даже на пике популярности фри-джаза и фьюжна многие артисты продолжали идти своим путем, но они не привлекали достаточного внимания. С основанием Норманом Гранцем лейбла Pablo в 1970-х легендарные музыканты, такие как Duke Ellington, Ella Fitzgerald и Оскар Питерсон, получили возможность снова записываться. Другие меньшие лейблы — Steeplechase, Concord, Muse, Chiaroscuro — также сосредоточились на традиционных джазовых формах.

Уинтон Марсалис и неотрадиционализм

Это традиционное возрождение получило дальнейшее развитие с появлением блестящего молодого трубаче Уинтона Марсалиса. Родившийся 18 октября 1961 года в Кеннере, Луизиана, Марсалис вырос, окруженный богатым наследием джазовой традиции New Orleans. Его отец, Эллис Марсалис, был уважаемым джазовым пианистом и педагогом; его старший брат Бранфорд Марсалис стал всемирно известным саксофонистом. В 14 лет Марсалис исполнил Концерт для трубы Гайдна с Новорлеанским филармоническим оркестром; в 18 он поступил в Джульярдскую школу; в 19 лет он начал выступать с такими джазовыми мастерами, как Art Blakey и Herbie Hancock. В 20 лет он подписал контракт с CBS Records как классический и джазовый исполнитель — беспрецедентный шаг со стороны самой мощной звукозаписывающей компании мира.

Марсализ достиг чего-то редкого в истории музыки: он стал первым и единственным артистом, получившим премии «Грэмми» как в классической музыке, так и в джазе. Победив на «Грэмми» в категории джаза в 1983 году и в классической музыке в 1984 году, он доказал, что может выступать на высшем уровне в обеих сферах.

Ранняя дискография Марсалиса в 1980-х годах была чрезвычайно разнообразной. В таких треках, как «Нежность», он напоминал ранний стиль Орнетта Коулмана, в то время как в произведениях, таких как «Отцовское время», он уже начал работать с более сложными композиционными структурами. Однако карьера Марсалиса претерпела значительные изменения с выходом альбомов «Marsalis Standard Time, Vol. 1» и «Live at Blues Alley». На этих проектах, переосмысливая джазовые стандарты в различных метрических структурах, таких как 6/8, 12/8 и 5/4, он продемонстрировал, насколько далеко можно зайти в интерпретации старых джазовых песен.

В альбоме «The Majesty of the Blues» Марсалис исследовал более «грязный» подход, характерный для джазменов до-боповой эпохи. Он стремился возродить эстетику 1920-х годов в стиле Кинг Оливера и Баббер Майли. Блюз стал важной составляющей творчества Марсалиса. На это повлияли критик и наставник Стэнли Кроуч, а также эстетическое видение, изложенное Альбертом Мерри в книге «Stomping the Blues».

Джаз в Линкольн-центре: Институциональное лицо джаза

Музыкальное видение Марсалиса получило институциональное воплощение в Jazz at Lincoln Center (JALC) (Джаз в Линкольн-Центре), основанном в 1988 году. В качестве художественного руководителя организации Марсали создал одну из самых престижных платформ для джаза. 15-ти человек Оркестр Jazz at Lincoln Center стал ансамблем, где Марсали мог продемонстрировать свои композиторские способности.

Выпущенная в 1994 году, «Кровь на полях» была самым амбициозным произведением Марсалиса. Оратория, изображающая опыт рабства, получила Пулитцеровскую премию за музыку в 1997 году, став первым джазовым произведением, удостоенным этой награды, и важной вехой в академическом и культурном признании джаза как «серьезной музыки».

Тем не менее, видение Марсалиса не обошлось без критики. Некоторые критики утверждали, что определение джазовой традиции Линкольн-центром было слишком узким и исключало авангардных и подверженных европейскому влиянию музыкантов. В одном из интервью Keith Jarrett открыто критиковал подход Марсалиса. Тем не менее, за годы работы Марсалис внес значительный вклад в общее благо джаза, наставляя молодых музыкантов, отстаивая культурную важность музыки и способствуя мобилизации финансовых ресурсов. С собственным концертным залом в Фредерик П. Роуз Холл, JALC остается одной из самых важных джазовых институций в мире.

Постмодернисты: революционеры, разрушающие границы и смешивающие жанры

С середины 1970-х годов в мире джаза начал развиваться и другое направление. В то время как традиционалисты пытались сохранить наследие джаза, пионеры постмодерного джаза также взаимодействовали с музыкальным прошлым — но делали это с совершенно иной точки зрения. Признавая, что нельзя избежать тяжелого наследия джазовой традиции, постмодернисты применяли деконструктивный подход, а не просто прославляли прошлое.

Первые признаки этого постмодернистского поворота можно увидеть в работах музыкантов, связанных с Ассоциацией за развитие творческих музыкантов (AACM) в Chicago. AACM была основана в 1965 году под руководством пианиста Мухала Ричарда Абрамса. Музыканты, такие как Роско Митчелл, Джозеф Джарман, Энтони Брэкстон и Лестер Боуи, в отличие от традиционных определений гармонии и мелодии, сосредоточились на качествах самого звука.

Арт Ансамбль Chicago — группа, состоящая из Роско Митчелла, Джозефа Джармана, Лестера Боуи, Малачи Фаворса и Дона Мойе — стала определяющим примером постмодерного джаза. Девиз группы «Великая чёрная музыка от древней до современной» точно передаёт их отношение к традиции. Госпел или фанк-композиции могли соседствовать с диссонансом и шумом. Их любовь к необычным костюмам и макияжу подтвердила элементы перформанса, которые давно уже были скрыты под поверхностью джазовой традиции.

Саксофонист Энтони Брэкстон стал блестящим флагманом постмодернистской волны. Брэкстон идеально воплощал постмодернистский энтузиазм, способный усваивать любой стиль и включать в своё творчество любые невозможные звуки. Он с равным мастерством писал как для двух фортепиано, так и для трёх духовых, четырёх усиленных лопат или ста труб. Наряду с Coltrane и Коулманом, он не боялся называть своими вдохновителями Шёнберга, Веберна, Кейджа и Штокхаузена.

Саксофонист Дэвид Мюррей продемонстрировал удивительную продуктивность, выпустив примерно сто пятьдесят записей до своего сорока летия. Он работал в различных форматах — от сольного саксофона до больших оркестров. Утверждая, что «музыка должна снова начать свинговать», Мюррей объединил влияние Мингуса и Эллиингтона в инновационном звучании, как в качестве композитора, так и инструменталиста.

Всемирный квартет саксофонов (ВКС) — состоящий из Дэвида Мюррея, Джулиуса Хемпхилла, Оливера Лейка и Хамиета Блюетта — был основан в 1976 году, когда его участники обнаружили, что аудитория положительно реагирует на их музыку без ритм-секции. Со своим музыкой, пересекающей границы, они могли бы почтить Элингтона в один момент, перейти к атональности в следующий или заложить грув, вдохновленный африканской музыкой и соулом.

Джон Зорн и скаена «Даунтаун»

Саксофонист и композитор Джон Зорн стал самым радикальным представителем постмодерного джаза. Творчество Зорна делится на несколько широких категорий. Его «игровые композиции» предлагают инструкции, которые создают основу для импровизации вместо традиционных джазовых структур, основанных на аккордах и ритме. Альбом Cobra демонстрирует различные возможные результаты, которые могут возникнуть из одной конкретной игровой композиции для двенадцати музыкантов. Лейбл Зорна Tzadik стал одной из важнейших платформ нью-йоркской экспериментальной музыкальной сцены.

Другие постмодернисты и их сторонники, такие как Тим Берн, Уэйн Хоровиц, Билл Фриселл и Бобби Превит, довели непочтительность моделей Зорна до еще более радикального уровня. Вкусы Зорна простирались далеко за пределы джазового мира: панк-рок, алеаторическая музыка, клезмер или саундтреки спагетти-вестернов могли сочетаться в любом из его проектов.

Acid джаз и Nu джаз: электронный век и его интерпретация джаза

Джаз, с его богатой историей и неизменной популярностью, постоянно эволюционирует, адаптируясь к современным музыкальным тенденциям. В эпоху электроники появились два уникальных жанра, которые привнесли свежий взгляд на традиционный джаз: Acid джаз и Nu джаз. Давайте исследуем, как эти стили интерпретируют джаз в электронную эпоху.

Acid Jazz

Acid джаз, также известный как "acid swing", возник в Великобритании в конце 1980-х годов. Этот жанр сочетает в себе элементы традиционного джаза, фанка и хауса. Acid джаз характеризуется яркими синтезаторными мелодиями, живыми перкуссионными ритмами и сэмплами из классических джазовых записей. Музыканты, такие как Jamiroquai, Us3 и Digable Planets, стали пионерами этого стиля, создавая треки, которые были одновременно танцевальными и джазовыми по своей сути.

В Acid джазе часто используются сэмплы с виниловых пластинок, что придает музыке аутентичное звучание старого школы. Живые инструменты, такие как саксофон, труба и клавишные, смешиваются с электронными битами, создавая уникальное слияние органического и синтетического звуков. Этот жанр стал особенно популярен в клубной сцене, привнося джазовую элегантность в ночную жизнь.

Nu Jazz

Nu джаз, или новый джаз, представляет собой более современное и экспериментальное направление, которое развивалось параллельно с Acid джазом. Жанр зародился в Европе и Северной Америке, объединяя джазовые импровизации с электронными битами, хип-хоп ритмами и атмосферной музыкой. Bugge Wesseltoft, Nujabes и Medeski, Martin & Wood - это лишь некоторые из артистов, которые внесли значительный вклад в развитие Nu джаза.

Nu джаз часто включает в себя сложные гармонии и ритмические структуры, характерные для традиционного джаза, но с использованием современных технологий производства. Живые выступления могут включать импровизационные соло на электронных инструментах, создавая захватывающее сочетание инноваций и традиций. Этот жанр привлекает как поклонников джаза, так и любителей электронной музыки.

Влияние на современную музыку

Родившись в Лондоне в конце 1980-х годов, движение acid jazz открыло важную главу в постмодернистской эволюции джаза. Развиваясь под руководством диджея Жиля Петерсон и радиоведущего Криса Бэнгса, этот стиль сочетал импровизационный дух джаза с фанк, соул и электронной танцевальной музыкой. Группы, такие как Jamiroquai, Brand New Heavies, Incognito и Us3, стали наиболее признанными представителями acid jazz. Композиция «Cantaloop» группы Us3, выпущенная в 1993 году, которая переосмыслила трек «Cantaloupe Island» Герби Hancock с ритмами хип-хопа, стала хитом во всем мире.

Ню-джаз (или «фьюжн-джаз») — это движение, возникшее в конце 1990-х и начале 2000-х годов, которое сочетало техники электронной музыки с джазовой импровизацией. Альбом Сент-Жермен Tourist (2000) смешивал ритмы хаус-музыки с джазовыми сэмплами и разошёлся миллионными тиражами. Норвежский трубач Нильс Петтер Молвёр, объединяя амбиентные электронные звуковые пейзажи со своей джазовой трубой, стал одним из пионеров европейского ню-джаза. Эти течения вывели джаз на танцполы ночных клубов и привлекли более молодую и разнообразную аудиторию.

Гитарист Билл Фриселл и Американский джаз

Одним из самых влиятельных деятелей постмодерного джаза был гитарист Билл Фриселл. Фриселл сумел интегрировать все слои американской музыки — кантри, фолк, американана, саундтреки к фильмам, джаз и авангард — в единое музыкальное видение. Начиная со своих ранних записей на лейбле ECM Records, он разработал уникальный стиль, сочетающий традиционные гитарные звуки с электронными эффектами и амбиентными звуковыми пейзажами.

Его альбом 1997 года Nashville был смелым проектом, который переосмыслил кантри-музыку с джазовой точки зрения. Такие альбомы, как Good Dog, Happy Man (1999) и Guitar in the Space Age! (2014), заново открывали разные периоды американской музыкальной традиции через постмодернистскую призму. Подход Фриселла представлял собой самое теплое и доступное лицо постмодернистского джаза: отношение, скорее ностальгическое, чем ироничное, и больше ориентированное на принятие, чем на разрушение.

Влияние Фриселла глубоко ощущалось, особенно среди молодых гитаристов. Современные гитаристы, такие как Мэри Халворсон, Джулиан Лаж и Бен Мондер, пошли по пути, который он проложил, переопределяя роль гитары в джазе.

Роберт Гласпер и джаз-хип-хоп фьюжн

Одним из самых захватывающих событий в мире джаза в 2000-х и 2010-х годах стало слияние джаза и хип-хопа, возглавляемое Робертом Гласпером. Родившийся в Хьюстоне пианист, работая как с акустическим джазовым трио (Роберт Гласпер Трио), так и с ориентированным на электронику ансамблем (Роберт Гласпер Эксперимент), построил уникальный мост между двумя разными музыкальными мирами.

Выпущенный в 2012 году, альбом Black Radio стал поворотным моментом в истории джаза. С участием таких исполнителей R&B и хип-хопа, как Эрика Баду, Мюзик Соулчайлд, Лупе Фьяско и Ясин Бей (Мос Деф), альбом получил премию «Грэмми» за лучший R&B альбом. Гласпер доказал, что джазовый музыкант также может быть признан на высшем уровне в мире хип-хопа и R&B.

Влияние Гласпера также вдохновило группу более молодых музыкантов. Такие фигуры, как Террас Мартин, Камиси Вашингтон, Тандеркат и Крис Дэйв, сформировали новую экосистему джаза-хип-хопа в Лос-Анджелесе. Сочетая джазовые элементы с хип-хопом в наградном альбоме Кендрика Ламара To Pimp a Butterfly (2015), эти музыканты укрепили присутствие джаза в популярной культуре. Трехдисковый альбом Камиси Вашингтона The Epic (2015) доказал, что джазовый альбом может привлечь серьезное внимание как в мейнстримных СМИ, так и в мире инди-музыки.

Европейская джазовая сцена и новые голоса

В постмодернистский период европейская джазовая сцена всё больше утверждала свою собственную идентичность, отличную от американского джаза. Эстетическое видение ECM Records под руководством Манфреда Эйхера представило миру задумчивый, медитативный и порой минималистичный характер европейского джаза. Саксофонное звучание Яна Гарбарека, напоминающее о скандинавских пейзажах; восточноевропейская меланхолия и лиризм Томаша Станько; встреча Ануара Браема с традицией североафриканского уд и современным джазом — каждый из них представлял разные грани уникального голоса европейского джаза.

С 2010-х годов новая джазовая сцена Лондона привлекла к себе серьезное внимание мировой публики. Такие музыканты, как Шабака Хатчинс (Sons of Kemet, The Comet Is Coming), Нубия Гарсия, Ezra Collective и Моисей Бойд, создали свежий и энергичный звук, сочетая карибские, африканские и британские городские музыкальные традиции с джазом. Победа группы Ezra Collective на премии Mercury Prize в 2023 году стала убедительным доказательством силы этой новой волны.

В 2000-х годах трио The Bad Plus, состоящее из пианиста Итана Айверсона, басиста Рида Андерсона и барабанщика Дэйва Кинга, рассердило джазовых снобов своими кавер-версиями экстремальных композиций групп Nirvana, Black Sabbath и Bee Gees, одновременно привлекая большую аудиторию новичков в мире джаза.

Заключение: Встреча двух путей

В конечном итоге джаз в последнем квартале XX века и первом квартале XXI века приобрел чрезвычайное разнообразие, используя плодотворную напряженность между традиционалистами и постмодернистами. Уинтон Марсалис и Jazz at Lincoln Center закрепили место джаза в культурном наследии Америки на институциональном уровне, в то время как такие направления, как кислотный джаз, ну-джаз и слияние джаза с хип-хопом, постоянно расширяли границы музыки. Такие фигуры, как Роберт Гласпер, Камаси Вашингтон и новая волна Лондона, доказали, что джаз может продолжать существовать в XXI веке как живая, динамичная и актуальная форма искусства.

Традиционалисты пытались сохранить наследие джаза, в то время как постмодернисты взяли это наследие и разрушили его, а затем собрали его заново в совершенно новых и инновационных формах. Возможно, истинная сила джаза заключается именно в сосуществовании этих двух подходов. Уважение к прошлому джаза и его сохранение, а также переосмысление этого прошлого в новых и неожиданных формах — все это неотъемлемая часть ДНК этой музыки. Этот диалектический процесс является самой надежной гарантией того, что джаз будет постоянно обновлять себя и сохранять свою актуальность в будущем.