Jazz am Ende des 20. Jahrhunderts: Traditionalisten und Postmoderne

Traditionstreuen: Eine Rückkehr zur Vergangenheit und Treue zu den Wurzeln

Bis Ende der 1970er Jahre vollzog sich in der Jazzwelt eine faszinierende Transformation. Experimentelle und elektrische Stile wie Free Jazz und Fusion blieben beliebt, doch eine Gruppe von Musikern begann, zu traditionellen akustischen Jazzstilen zurückzukehren. Diese Rückkehr war nicht nur eine nostalgische Bewegung, sondern ein Versuch, zu den Wurzeln des Jazz zurückzufinden. In Wirklichkeit waren traditionelle Jazzstile nie vollständig verschwunden. Selbst auf dem Höhepunkt des Free Jazz und Fusion folgten viele Künstler weiterhin ihren eigenen Wegen – sie erhielten jedoch nicht genug Aufmerksamkeit. Mit der Gründung des Pablo-Labels durch Norman Granz in den 1970er Jahren bekamen legendäre Musiker wie Duke Ellington, Ella Fitzgerald und Oscar Peterson die Möglichkeit, wieder aufzunehmen. Auch kleinere Labels wie Steeplechase, Concord, Muse und Chiaroscuro konzentrierten sich auf traditionelle Jazzformen.

Wynton Marsalis und der Neo-Traditionallismus

Diese traditionelle Wiederbelebung wurde durch das Auftauchen des brillanten jungen Trompeters Wynton Marsalis weiter beschleunigt. Geboren am 18. Oktober 1961 in Kenner, Louisiana, wuchs Marsalis inmitten des reichen Erbes der New Orleans Jazz-Tradition auf. Sein Vater, Ellis Marsalis, war ein angesehener Jazzpianist und Musikpädagoge; sein älterer Bruder Branford Marsalis wurde später ein weltweit renommierter Saxophonist. Mit 14 Jahren spielte Marsalis das Haydnsche Trompetenkonzert mit dem New Orleans Philharmonic Orchestra; mit 18 trat er in die Juilliard School ein; und mit 19 begann er, mit Jazzmeistern wie Art Blakey und Herbie Hancock zu spielen. Im Alter von 20 Jahren wurde er von CBS Records sowohl als klassischer als auch als Jazzkünstler unter Vertrag genommen – eine beispiellose Entscheidung des mächtigsten Plattenlabels der Welt.

Marsalis gelang es, etwas Einzigartiges in der Geschichte der Musik zu erreichen: Er wurde der erste und einzige Künstler, der sowohl einen Grammy Award für klassische Musik als auch für Jazz gewann. Mit dem Gewinn des Jazz-Grammys im Jahr 1983 und des klassischen Musik-Grammys im Jahr 1984 bewies er, dass er in beiden Genres auf höchstem Niveau spielen konnte.

Marsaliss frühe Aufnahmen in den 1980er Jahren waren sehr vielseitig. Bei einem Stück wie „Hesitation“ erinnerte er an den frühen Stil von Ornette Coleman, während er bei Stücken wie „Father Time“ begann, komplexere kompositorische Strukturen zu erforschen. Doch Marsaliss Karriere erfuhr eine bedeutende Wendung mit den Alben „Marsalis Standard Time, Vol. 1“ und „Live at Blues Alley“. Auf diesen Projekten zeigte er durch die Neuinterpretation von Jazzstandards in verschiedenen metrischen Strukturen wie 6/8, 12/8 und 5/4, wie weit man alte Jazzsongs treiben konnte.

Mit dem Album „The Majesty of the Blues“ verfolgte Marsalis einen „schmutzigeren“ Ansatz, der von prä-bop Jazzmusikern bevorzugt wurde. Er wollte die Ästhetik der 1920er Jahre von King Oliver und Bubber Miley wiederbeleben. Der Blues rückte für Marsalis in den Mittelpunkt. Die Einflussnahme des Kritikers und Mentors Stanley Crouch sowie die ästhetische Vision, die Albert Murray in seinem Buch „Stomping the Blues“ skizziert hatte, waren dabei entscheidend.

Jazz at Lincoln Center: Das institutionelle Gesicht des Jazz

Marsalis' musikalische Vision erhielt mit Jazz at Lincoln Center (JALC), gegründet 1988, eine institutionelle Identität. Als künstlerischer Leiter der Organisation schuf Marsalis eine der renommiertesten Plattformen für Jazz. Das 15-köpfige Jazz at Lincoln Center Orchestra wurde zu einem Ensemble, in dem Marsalis seine Fähigkeiten als Komponist unter Beweis stellen konnte.

Im Jahr 1994 veröffentlicht, war „Blood on the Fields“ Marsalis' ehrgeizigstes Werk. Das Oratorium, das die Erfahrung der Sklaverei darstellt, gewann 1997 den Pulitzer-Preis für Musik – und wurde damit das erste Jazzwerk, das diese Auszeichnung erhielt. Dies markierte einen wichtigen Meilenstein in der akademischen und kulturellen Anerkennung des Jazz als „ernste Musik“.

Marsalis' Vision war jedoch nicht unumstritten. Einige Kritiker argumentierten, dass die Definition des Jazz-Traditionszentrums Lincoln Center zu eng gefasst sei und Avantgarde- sowie europaflüssige Musiker ausschließe. In einem Interview kritisierte Keith Jarrett offen Marsalis' Ansatz. Dennoch leistete Marsalis im Laufe der Jahre einen bedeutenden Beitrag zum allgemeinen Wohl des Jazz, indem er junge Musiker förderte, die kulturelle Bedeutung der Musik verteidigte und seine Fähigkeit, finanzielle Ressourcen zu mobilisieren. Mit seinem eigenen Konzerthaus im Frederick P. Rose Hall bleibt das JALC bis heute eine der wichtigsten Jazz-Institutionen der Welt.

Postmoderne: Revolutionäre, die Grenzen sprengen und Genres verschmelzen

Ab Mitte der 1970er Jahre begann sich auch eine andere Bewegung in der Jazzwelt zu entwickeln. Während die Traditionalisten das Erbe des Jazz bewahren wollten, gingen die Pioniere des postmodernen Jazz ebenfalls mit der Vergangenheit der Musik um – allerdings aus einer ganz anderen Perspektive. In Anerkennung dessen, dass das schwere Gewicht der Jazztradition nicht zu vermeiden war, wendeten die Postmoderne eine dekonstruktive Herangehensweise an, anstatt einfach nur die Vergangenheit zu feiern.

Die ersten Anzeichen dieser postmoderne Wende lassen sich in den Werken von Musikern erkennen, die mit der Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM) in Chicago verbunden sind. Die AACM wurde 1965 unter der Leitung des Pianisten Muhal Richard Abrams gegründet. Musiker wie Roscoe Mitchell, Joseph Jarman, Anthony Braxton und Lester Bowie konzentrierten sich, im Gegensatz zu traditionellen Definitionen von Harmonie und Melodie, auf die Qualitäten des Klangs selbst.

Die Art Ensemble of Chicago – die Gruppe, bestehend aus Roscoe Mitchell, Joseph Jarman, Lester Bowie, Malachi Favors und Don Moye – wurde zu einem prägenden Beispiel für den postmodernen Jazz. Das Motto der Gruppe, „Große Schwarze Musik von Alt bis Neu“, fasste ihre Herangehensweise an die Tradition treffend zusammen. Gospel- oder Funk-Stücke konnten neben Dissonanzen und Lärm existieren. Ihre Liebe zu ungewöhnlichen Kostümen und Make-up unterstrich die Performance-Kunst-Elemente, die im Jazz schon immer latent vorhanden waren.

Der Saxofonist Anthony Braxton wurde ein brillanter Vertreter der postmoderne Welle. Braxton verkörperte die postmoderne Exuberanz perfekt, die jeden Stil verdauen und jede unmögliche Klangfarbe in seine Werke integrieren konnte. Er fühlte sich gleichermaßen wohl beim Komponieren für zwei Klaviere, drei Hörner, vier verstärkte Schaufeln oder hundert Tuben. Neben Coltrane und Coleman zählte er ohne Bedenken Schoenberg, Webern, Cage und Stockhausen zu seinen Einflüssen.

Der Saxofonist David Murray zeigte eine erstaunliche Produktivität mit etwa hundertfünfzig Aufnahmen, bevor er vierzig wurde. Er arbeitete in verschiedenen Formaten, vom Solosaxophon bis hin zu großen Orchestern. Mit der Aussage, dass „Musik wieder schwingen muss“, vereinte Murray den Einfluss von Mingus und Ellington in einer innovativen Stimme als Komponist und Instrumentalist.

Das World Saxophone Quartet (WSQ), bestehend aus David Murray, Julius Hemphill, Oliver Lake und Hamiet Bluiett, wurde 1976 gegründet, als seine Mitglieder feststellten, dass das Publikum positiv auf ihre Musik ohne Rhythmusgruppe reagierte. Mit ihrer grenzenüberschreitenden Musik konnten sie mal einen Hut vor Ellington ziehen, im nächsten Moment in die Atonalität gleiten oder einen Groove legen, der auf afrikanischer Musik und Soul basiert.

John Zorn und die Downtown-Szene

Der Saxofonist und Komponist John Zorn wurde zum radikalsten Vertreter des postmodernen Jazz. Zorns Werk lässt sich in mehrere große Kategorien einteilen. Seine „Spielstücke“ bieten Anweisungen, die einen Rahmen für die Komposition bilden, anstelle der akkord- und taktbasierten Strukturen des Mainstream-Jazz. Das Album Cobra gibt einen Einblick in die verschiedenen möglichen Ergebnisse, die aus einem bestimmten Spielstück für zwölf Musiker entstehen können. Zorns Label Tzadik hat sich zu einer der wichtigsten Plattformen für die experimentelle Musikszene im New Yorker Untergrund entwickelt.

Andere Postmoderne und Mitstreiter wie Tim Berne, Wayne Horvitz, Bill Frisell und Bobby Previte trieben die Unverehrung von Zorns Modellen noch einen Schritt weiter. Zorns Geschmack reichte weit über die Jazzwelt hinaus: Punkrock, Aleatorik, Klezmer oder Spaghetti-Western-Filmmusik konnten in jedem beliebigen Projekt kombiniert werden.

Acid Jazz und Nu Jazz: Die elektronische Ära des Jazz

In den 1980er und 1990er Jahren erlebte der Jazz eine Renaissance, als neue Technologien und elektronische Instrumente die Szene revolutionierten. Diese Bewegung, bekannt als Acid Jazz und später als Nu Jazz, verschmolz traditionelle Jazz-Elemente mit elektronischen Beats, Synthesizern und Sampling-Techniken.

Acid Jazz entstand in Großbritannien und war stark vom Funk, Soul und Disco der 1970er Jahre beeinflusst. Künstler wie Jamiroquai, Incognito und Us3 kombinierten groovende Rhythmen, bläserreiche Arrangements und jazzige Improvisationen mit modernen Produktionen und elektronischen Effekten. Der Begriff "Acid" bezog sich dabei nicht auf Drogen, sondern auf den psychedelischen, säureartigen Klang, der durch die Verwendung von Synthesizern und Effektgeräten erzeugt wurde.

Nu Jazz entwickelte sich in den späten 1990er Jahren weiter und integrierte noch mehr elektronische Elemente. Künstler wie Portishead, Massive Attack und Thievery Corporation experimentierten mit Trip-Hop-Beats, atmosphärischen Klängen und komplexen Samples, während sie gleichzeitig Jazz-Standards und -Improvisationen einfließen ließen. Nu Jazz schuf eine einzigartige Mischung aus organischen und synthetischen Klängen, die sowohl Jazz-Puristen als auch Elektronik-Fans ansprach.

Beide Genres feiern den Jazz als lebendige Kunstform, die sich ständig weiterentwickelt und anpasst. Sie zeigen, dass Jazz nicht nur in traditionellen Clubs und Konzertsälen zu Hause ist, sondern auch in der modernen, elektronischen Musiklandschaft einen Platz hat. Mit ihrer innovativen Herangehensweise haben Acid Jazz und Nu Jazz neue Zuhörer gewonnen und den Jazz für eine neue Generation zugänglich gemacht.

In den späten 1980er Jahren in London geboren, eröffnete die Acid-Jazz`-Bewegung einen wichtigen Abschnitt in der postmodernen Entwicklung des Jazz. Unter der Führung von DJ Gilles Peterson und dem Radiomoderator Chris Bangs vereinte diese Strömung den improvisatorischen Geist des Jazz mit Funk, Soul und elektronischer Tanzmusik. Gruppen wie Jamiroquai, Brand New Heavies, Incognito und Us3** wurden zu den bekanntesten Vertretern des Acid Jazz. Us3s Track "Cantaloop" aus dem Jahr 1993, der Herbie Hancock's "Cantaloupe Island" mit Hip-Hop-Rhythmen neu interpretierte, wurde ein weltweiter Hit.

Nu Jazz (oder „Future Jazz“) war eine Bewegung, die Ende der 1990er und Anfang der 2000er Jahre entstand und Techniken der elektronischen Musikproduktion mit Jazz-Improvisation kombinierte. St. Germains Album Tourist (2000) vermengte House-Musik-Rhythmen mit Jazz-Samples und verkaufte sich millionenfach. Der norwegische Trompeter Nils Petter Molvær, der Ambient-elektronische Klanglandschaften mit seinem Jazz-Trompete verband, wurde zu einem der Pioniere des europäischen Nu Jazz. Diese Strömungen brachten Jazz auf die Tanzflächen von Nachtclubs und erreichten ein jüngeres und vielfältigeres Publikum.

Gitarrist Bill Frisell und Americana Jazz

Einer der einflussreichsten Figuren des postmodernen Jazz war der Gitarrist Bill Frisell. Frisell gelang es, alle Schichten der amerikanischen Musik – Country, Folk, Americana, Filmmusik, Jazz und die Avantgarde – in eine einzige musikalische Vision zu integrieren. Beginnend mit seinen frühen Aufnahmen bei ECM Records entwickelte er einen einzigartigen Stil, der traditionelle Gitarrentöne mit elektronischen Effekten und Ambient-Soundscapes kombinierte.

Sein Album Nashville aus dem Jahr 1997 war ein gewagtes Projekt, das die Country-Musik aus einer Jazzperspektive neu interpretierte. Alben wie Good Dog, Happy Man (1999) und Guitar in the Space Age! (2014) entdeckten verschiedene Epochen der amerikanischen Musiktradition durch eine postmoderne Linse neu. Frisells Ansatz repräsentierte das wärmste und zugänglichste Gesicht des Postmoderne-Jazz: eine Haltung, die eher nostalgisch als ironisch, eher einladend als zerstörerisch war.

Frisells Einfluss war besonders unter jüngeren Gitarristen tiefgreifend. Zeitgenössische Gitarristen wie Mary Halvorson, Julian Lage und Ben Monder sind seinem Weg gefolgt und haben die Rolle der Gitarre im Jazz neu definiert.

Robert Glasper und die Jazz-Hip-Hop-Fusion

Eine der aufregendsten Entwicklungen in der Jazzwelt in den 2000er und 2010er Jahren war die Jazz-Hip-Hop-Fusion, angeführt von Robert Glasper. Der in Houston geborene Pianist, der sowohl mit einem akustischen Jazz-Trio (dem Robert Glasper Trio) als auch mit einer elektronisch orientierten Formation (dem Robert Glasper Experiment) arbeitete, schuf eine einzigartige Brücke zwischen zwei verschiedenen Musikwelten.

Das 2012 veröffentlichte Album Black Radio markierte einen Wendepunkt in der Jazzgeschichte. Mit Gastauftritten von R&B- und Hip-Hop-Künstlern wie Erykah Badu, Musiq Soulchild, Lupe Fiasco und Yasiin Bey (Mos Def) gewann das Album einen Grammy als bestes R&B-Album. Glasper bewies, dass ein Jazzmusiker auch in der Hip-Hop- und R&B-Welt auf höchster Ebene anerkannt werden kann.

Glasspers Einfluss inspirierte auch eine Gruppe jüngerer Musiker. Figuren wie Terrace Martin, Kamasi Washington, Thundercat und Chris Dave bildeten ein neues Jazz-Hip-Hop-Ökosystem in Los Angeles. Durch die Verschmelzung von Jazz-Elementen mit Hip-Hop auf Kendrick Lamars preisgekröntem Album To Pimp a Butterfly (2015) stärkten diese Musiker die Präsenz des Jazz in der Popkultur. Kamasi Washingtons dreifach-Album The Epic aus dem Jahr 2015 bewies, dass ein Jazzalbum sowohl das Interesse der Mainstream-Medien als auch der Indie-Musikszene wecken kann.

Die europäische Jazzszene und neue Stimmen

In der postmoderne Ära entwickelte die europäische Jazzszene zunehmend eine eigene Identität, die sich vom amerikanischen Jazz abhob. Die ästhetische Vision von ECM Records unter Manfred Eicher stellte der Welt den nachdenklichen, meditativen und manchmal minimalistischen Charakter des europäischen Jazz vor. Der Saxophonklang von Jan Garbarek, der an skandinavische Landschaften erinnert; die osteuropäische Melancholie und Lyrik von Tomasz Stańko sowie das Zusammentreffen der nordafrikanischen Oud-Tradition mit dem zeitgenössischen Jazz durch Anouar Brahem – jede dieser Facetten repräsentiert einen einzigartigen Aspekt der unverwechselbaren Stimme des europäischen Jazz.

Ab den 2010er Jahren erregte die neue Jazzszene Londons weltweit Aufmerksamkeit. Künstler wie Shabaka Hutchings (Sons of Kemet, The Comet Is Coming), Nubya Garcia, Ezra Collective und Moses Boyd schufen einen frischen und energiegeladenen Sound, indem sie karibische, afrikanische und britische Urban-Musiktraditionen mit Jazz verbanden. Der Gewinn des Mercury Prize durch Ezra Collective im Jahr 2023 war ein greifbarer Beweis für die Macht dieser neuen Welle.

In den 2000ern sorgte The Bad Plus, ein Trio bestehend aus dem Pianisten Ethan Iverson, dem Bassisten Reid Anderson und dem Schlagzeuger Dave King, mit ihren Coverversionen extremen Materials von Nirvana, Black Sabbath und den Bee Gees für Aufregung unter Jazz-Eingeweihten, während sie gleichzeitig ein großes Publikum neuer Jazzfans gewannen.

Schlussfolgerung: Das Treffen von Zwei Pfaden

Letztendlich gewann Jazz im letzten Viertel des 20. Jahrhunderts und im ersten Viertel des 21. Jahrhunderts durch den fruchtbaren Spannungsbogen zwischen Traditionalisten und Postmoderne eine außergewöhnliche Vielfalt. Wynton Marsalis und Jazz at Lincoln Center zementierten auf institutioneller Ebene den Platz des Jazz im kulturellen Erbe Amerikas, während Strömungen wie Acid Jazz, Nu Jazz und die Fusion aus Jazz und Hip-Hop die Grenzen der Musik kontinuierlich erweiterten. Persönlichkeiten wie Robert Glasper, Kamasi Washington und die neue Jazzwelle in London bewiesen, dass Jazz im 21. Jahrhundert als lebendige, dynamische und relevante Kunstform weiterbestehen kann.

Die Traditionalisten bemühten sich, das Erbe des Jazz zu bewahren, während die Postmoderne dieses Erbe nahmen und es in völlig neue und innovative Formen zerlegten und dann wieder zusammensetzten. Vielleicht liegt die wahre Stärke des Jazz genau in der Koexistenz dieser beiden Ansätze. Die Achtung und Bewahrung der Vergangenheit des Jazz sowie die Neuinterpretation dieser Vergangenheit auf neue und unerwartete Weise sind gleichermaßen Teil der DNA dieser Musik. Diese Dialektik ist die stärkste Garantie dafür, dass der Jazz sich weiterhin erneuern und in die Zukunft hinein bestehen wird.