Die Verwandlung des Jazz: Von der Straßenmusik zur akademischen Kunstform

Von der Ausgrenzung zur Akzeptanz: Das erste Jahrhundert des Jazz

Wenn ich auf die Geschichte des Jazz blicke, fällt mir besonders auf, wie diese Musikgattung fast ein halbes Jahrhundert lang überdauert hat, obwohl sie kaum institutionelle Unterstützung erhielt. In der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts bedeutete es für einen Jazzmusiker, vollständig selbstständig zu sein und mit meist kurzfristigen Engagements als Bandleader und schwankender öffentlicher Unterstützung über die Runden zu kommen. In dieser Zeit war der nächste Verwandte eines „festen Jobs“ für einen Jazzmusiker ein Platz in einer erfolgreichen Tournee-Band – und selbst das konnte jederzeit enden. Musiker konnten sich plötzlich weit entfernt von zu Hause wiederfinden, manchmal buchstäblich aus dem Tourbus geworfen.

Können Sie sich das vorstellen? Über die Frage, sie auf den Campus einzuladen, hinaus waren Professuren undenkbar. Die Bewerbung für Stipendien und Künstlerresidenzen, die heute üblich sind, war fast ungehört. Der Stride-Piano-Pionier James P. Johnson bewarb sich in den 1930er Jahren um ein Guggenheim-Stipendium und (wie zu erwarten war) wurde abgelehnt – aber was angesichts der damaligen Einstellungen bemerkenswert ist, ist, dass er sich überhaupt beworben hat. Um zu zeigen, wie aussichtslos die Situation war: Im Jahr 1949 startete das Magazin Downbeat einen Wettbewerb, um einen neuen Namen für Jazz zu finden. Viele Menschen glaubten, dass der alte Name durch negative Assoziationen befleckt sei und die Musik einen respektableren Namen brauche. Der Gewinnerbeitrag – mit einem Preisgeld von tausend Dollar – war „Crewcut“. Glücklicherweise geriet der Wettbewerb bald in Vergessenheit, und wir blieben beim Wort „Jazz“.

Jazz betritt die akademische Welt: Ein Wendepunkt

In den 1950er Jahren kam es zu einem bedeutenden Wendepunkt für Jazz. Die ersten Jazz-Lehrbücher erschienen, und etwa dreißig Colleges begannen Kurse in diesem Fach anzubieten. Im Vergleich zur heutigen Situation – in der fast jede Hochschule Jazz in irgendeiner Form aufgenommen hat und mehr als hundert formale Studienprogramme anbieten – mag das gering erscheinen, doch damals markierte es einen großen Wandel. Jazz-Auftritte auf dem Campus, die zuvor auf informelle Umgebungen wie Bruderschaftspartys und von Studenten organisierte Tanzveranstaltungen beschränkt waren, erhielten nun offizielle Zustimmung von den Verwaltungseinrichtungen.

Es dauerte eine ganze Generation, bis die Auswirkungen dieser Transformation auf der Jazzszene spürbar wurden. Die Jazzatmosphäre der 1980er und 1990er Jahre spiegelte diesen Wandel wider: Eine wachsende Zahl aufstrebender Musiker mit erweitertem historischen Bewusstsein, die mühelos zwischen verschiedenen Stilen wechseln konnten. Für diese Generation waren akademische Ausbildung und Universitätsabschlüsse die Regel, nicht die Ausnahme. Natürlich war der Übergang nicht konfliktfrei. Diejenigen, die den Stilen und Einstellungen früherer Epochen verbunden waren, beschwerten sich, dass die neuen Musiker zu viel Bildung hätten. Für sie war Jazz mit akademischem Hintergrund eine kalte Imitation des echten Jazz. Echter Jazz wurde im rauen Umfeld von Tourneebands und harten Jamsessions getestet – nicht im Klassenzimmer beim Lesen eines Lehrbuchs.

Der Aufstieg der Jazz-Bildungseinrichtungen

Der Eintritt des Jazz in die akademische Welt vollzog sich unter der Führung bestimmter Institutionen. Als das Berklee College of Music 1945 in Boston gegründet wurde, war es eine der wenigen Schulen, die Jazz als akademische Disziplin ernst nahmen. Der Gründer der Schule, Lawrence Berk, glaubte, dass Jazzmusiker, genau wie klassische Musiker, eine systematische Ausbildung benötigen. Heute ist Berklee eine der renommiertesten Musikschulen der Welt und begrüßt jährlich Tausende von Studenten, mit unzähligen Grammy-Gewinnern unter seinen Alumni.

Die University of North Texas (damals North Texas State University) wurde 1947 eine der ersten großen Universitäten, die formell ein Jazzstudienprogramm einrichtete. Die Big Band One O'Clock Lab Band der Universität entwickelte sich zu einem weltbekannten Ensemble, und viele professionelle Musiker begannen ihre Karriere in dieser Band. Das New England Conservatory, unter der Leitung von Gunther Schuller in den 1960er und 1970er Jahren, erweiterte die Grenzen der Jazz-Ausbildung und führte das Konzept des Third Stream in die akademische Welt ein. Institutionen wie die Manhattan School of Music, die New School for Jazz and Contemporary Music und die Indiana University bauten ebenfalls ab den 1970er Jahren starke Jazzprogramme auf und festigten damit die akademische Infrastruktur in diesem Bereich.

Eine ähnliche Entwicklung fand in Europa statt. Das Conservatorium van Amsterdam in den Niederlanden und das Rytmisk Musikkonservatorium (Rhythmus-Musikkonservatorium) in Dänemark wurden Pioniere der europäischen Jazz-Ausbildung. Während sie die amerikanische Jazz-Tradition unterrichteten, legten diese Schulen auch den Grundstein für die Entstehung einer eigenen europäischen Jazz-Identität.

Jazz-Ausbildung in der Türkei

Die Institutionalisierung der Jazz-Ausbildung in der Türkei begann vergleichsweise spät, schritt dann jedoch rasch voran. Die Bilkent-Universität, 1986 gegründet, ging mit der Aufnahme von Jazz-Studiengängen in ihre Musikfakultät einen wegweisenden Schritt. Die Musikabteilung der Istanbul Bilgi Universität, an der ab den 2000er-Jahren Lehrkräfte wie Tuna Ötenel und İmer Demirer unterrichteten, entwickelte sich zu einem wichtigen Zentrum der türkischen Jazz-Ausbildung. Auch die Haliç-Universität, die Bahçeşehir-Universität und das Staatliche Konservatorium für türkische Musik der Technischen Universität Istanbul reihten sich in die Riege der Einrichtungen mit Jazz-Ausbildung ein. Diese Entwicklungen haben sowohl die Zahl als auch die Qualität der in der Türkei ausgebildeten jungen Jazzmusiker deutlich gesteigert.

Jazz-Festivals: Die globale Bühne für Jazzmusik

Die Geschichte der Jazzfestivals ist eng mit der Legitimität der Musik verknüpft. Das Newport Jazz Festival, gegründet im Jahr 1954, ging als das erste große Jazzfestival der Welt in die Geschichte ein. Ins Leben gerufen durch Georges Weins Vision, brachte das Festival den Jazz nach draußen und zu einem breiten Publikum, was die Wahrnehmung der Musik grundlegend veränderte. Der Dokumentarfilm "Jazz on a Summer's Day" aus dem Jahr 1958 trug die Magie von Newport in die Welt hinaus.

Große Festivals wie das Montreux Jazz Festival (1967), das North Sea Jazz Festival (1976) und das Montreal International Jazz Festival (1980) spielten eine entscheidende Rolle bei der Anerkennung des Jazz als globale Kunstform. Das Montreal International Jazz Festival wurde im Guinness-Buch der Rekorde als größtes Jazzfestival der Welt verzeichnet, mit mehr als zwei Millionen Besuchern pro Jahr.

In der Türkei wird das Istanbul Jazz Festival seit 1994 von der Istanbuler Stiftung für Kultur und Kunst (İKSV) organisiert und hat sich zu einem der renommiertesten Jazzfestivals der Welt entwickelt. Veranstaltungen wie das Akbank Jazz Festival, die Programme des Nardis Jazz Clubs und das Ankara Jazz Festival spiegeln ebenfalls die Vielfalt des Festivallebens in der Türkei wider. Diese Festivals bringen sowohl internationale Stars vor türkisches Publikum als auch bieten sie türkischen Jazzmusikern eine internationale Plattform.

Die Grammys und Jazz: Anerkennung durch die Musikindustrie

Die Grammy Awards spielten eine entscheidende Rolle bei der Anerkennung von Jazz als „ernste Kunstmusik“. Als die erste Grammy-Verleihung 1959 stattfand, hatte Jazz bereits eigene Kategorien. Im Laufe der Jahre wurden diese Kategorien erweitert und verfeinert. Heute umfassen die Grammys zahlreiche Jazzkategorien, darunter Bestes Jazz-Gesangsalbum, Bestes Jazz-Instrumentalalbum, Bestes Album eines großen Jazzensembles, Bestes Latin-Jazz-Album und Bester improvisierter Jazz-Solo.

Wynton Marsalis erhielt 1997 den Pulitzer-Preis für seine Oratorienkomposition „Blood on the Fields“. Dies war eines der deutlichsten Zeichen für die akademische und kulturelle Anerkennung des Jazz als „ernste Musik“. Bis dahin waren die Pulitzer-Preise für Musik ausschließlich an klassische Komponisten vergeben worden. Der Preis signalisierte, dass Jazz nicht mehr nur als Unterhaltungsmusik betrachtet wurde, sondern als eine der höchsten Formen künstlerischer Ausdrucksweise Amerikas. 2007 gewann Ornette Coleman den Pulitzer-Preis für sein Album „Sound Grammar“ – der zweite große Triumph des Jazz in diesem Bereich.

Der Aufstieg moderner Jazz-Meister

Diese Veränderungen wirkten sich unweigerlich auf den Klang der Musik aus. Wer noch Zweifel hatte, dass Jazz nicht mehr nur leere Unterhaltung, sondern eine ernsthafte Kunstform war, musste nur das ernste Auftreten der aufstrebenden Stars der späten 1990er und frühen 2000er Jahre in den Konzertsaalen beobachten. Der Künstler, der diese Ernsthaftigkeit vielleicht am deutlichsten verkörperte, war der Pianist Brad Mehldau. Er schien eine tiefe Abneigung gegen Lächeln auf seinen Albumcovern zu haben und zitierte deutsche Philosophen in seinen Booklet-Notizen. Zu einem Zeitpunkt war sogar eine akademische Arbeit, die die Reflexionen der Philosophie Nietzsches in seiner Musik untersuchte, auf der Website des Pianisten zum Download verfügbar. Aber die einzigartige Ernsthaftigkeit von Mehldaus Kunst kam vor allem auf der Bühne zum Ausdruck, wo er populäre Songs meisterhaft neu gestaltete und seine eigenen scharfsinnigen Kompositionen präsentierte.

Matthew Shipp verfolgte einen anderen Ansatz. Er musste seine Unabhängigkeit gegen diejenigen verteidigen, die ihn als Anhänger von Cecil Taylor etikettieren wollten. Aber Shipp war als Musiker zu komplex für solche einfachen familiären Bäume. Er konnte titanische atonale Angriffe an den Tasten entfesseln – etwas, das er seit seiner Lehrzeit in der Gruppe des Saxophonisten David S. Ware demonstrierte – aber er konnte auch innerhalb traditioneller Akkordwechsel oder mit einfachen, pentatonikbasierten Figuren zaubern.

Geri Allen war eine der bedeutendsten Pianistinnen ihrer Zeit. Sie gehörte zu den ersten Studentinnen, die einen Abschluss im Jazz-Programm der Howard University erhielten und absolvierte anschließend ein Master-Studium in Ethnomusikologie an der University of Pittsburgh. Doch offenbar hat niemand Allen gesagt, dass Akademikerinnen in ihren Elfenbeintürmen bleiben sollen. Sie durchbrach jede Art von Grenze – kulturell, stilistisch oder geografisch. Sie konnte die Musik der Kansas City Jazz-Pionierin Mary Lou Williams mit akribischer Authentizität wiederbeleben und gleichzeitig mit dem Avantgarde-Vordenker Ornette Coleman kollaborieren.

Unter den Saxophonisten, die hervortraten, setzte Joe Lovano mit großer Geschicklichkeit seinen Anspruch um, sich auf die Vergangenheit zu stützen, ohne darin steckenzubleiben. Auf seiner herausragenden zweifachen Live-Aufnahme im Village Vanguard im Jahr 1995 erwies er Ornette Coleman mit dem Stück „Fort Worth“ beeindruckende Ehre. Auf seinem früheren Album Rush Hour arbeitete der Saxophonist mit dem Gründer des Third Stream, Gunther Schuller, zusammen.

Joshua Redman, 1969 in Berkeley geboren, schlug einen anderen Weg ein. Aufgewachsen an der Westküste und akademisch erfolgreich – er schloss die Highschool als Jahrgangsbester ab und studierte in Harvard – dachte Redman über eine Karriere als Arzt oder Anwalt nach, bevor er sich für das Saxophon entschied. Doch wie Lovano wurde er zu einer integrativen Figur, die sich aus verschiedenen Lagern bediente, ohne sich einem vollständig zu verpflichten.

Chris Potter ist ein perfektes Beispiel für einen zeitgenössischen, gut ausgebildeten Saxophonisten. Geboren in Chicago, zog Potter mit achtzehn nach New York und erhielt eine formale Ausbildung an der New School und der Manhattan School of Music – doch schon bald machte er sich in lokalen Nachtclubs einen Namen. Neben der Leitung eigener Ensembles ist Potter auf etwa zweihundert verschiedenen Aufnahmen zu hören. Und das zu Recht: Er kann fast alles auf fast jedem Saxophon spielen (und bei Bedarf auch auf Bassklarinette, Flöte und anderen Instrumenten).

Jazz geht global: Amerikas klassische Musik öffnet sich der Welt

Gegen 2015 war die am meisten diskutierte Jazzgeschichte in den Medien die eines elfjährigen Jungen: Joey Alexander. Er war überall präsent. Seine Musik wurde im Internet viral, er erhielt Spitzenberichterstattung in der New York Times, trat in der CBS-Nachrichtensendung 60 Minutes auf und spielte als Headliner beim Newport Jazz Festival. Als er bei den Grammy Awards auf die Bühne trat, erhielt dieses begabte Kind von den Führenden der Musikindustrie eine stehende Ovation. Doch diejenigen, die wissen, wie die Musikbranche funktioniert, hätten noch stärker von Joey Alexanders Ursprung auf Bali, Indonesien, beeindruckt sein müssen. Das ist besonders überraschend, wenn man bedenkt, dass Indonesien das viertbevölkerungsreichste Land der Welt ist und eine der reichsten musikalischen Traditionen beherbergt.

Seit Jahren verkünden Jazzfans in den Vereinigten Staaten mit einer seltsamen Art von Selbstzufriedenheit, dass Jazz die „klassische Musik Amerikas“ sei. Der Satz hat etwas Ansprechendes, doch ein genauerer Blick auf die Jazzwelt erzählt eine andere Geschichte: Viele der spannendsten Entwicklungen dieser Kunstform finden außerhalb des Heimatlandes des Jazz statt – und das ist zunehmend der Fall mit jedem Jahrzehnt, das vergeht.

In dem heutigen London ist dies besonders auffällig. Die Jazzszene dort wächst seit Jahrzehnten, doch sie orientierte sich stilistisch meist an den Vereinigten Staaten. Heute haben sich die Rollen fast umgekehrt. Viele amerikanische Musiker und Fans achten nicht nur genau auf neue Klänge aus dem Vereinigten Königreich, sondern sind zunehmend neidisch auf ein britisches Jazzökosystem, das eine breite Palette neuer Stile und Perspektiven unterstützt, ein begeistertes junges Publikum anspricht und in Mainstream-Medien Bewunderung erntet. Namen wie Shabaka Hutchings, Nubya Garcia, Ezra Collective und Moses Boyd haben auf der Weltbühne als strahlende Vertreter der neuen Jazzwelle aus London ihren Platz eingenommen. Der Gewinn des Mercury Prize 2023 durch Ezra Collective war ein konkreter Beweis für die Stärke dieser neuen Welle.

Der Aufstieg des Jazz in Europa und Asien

Der Aufstieg des schwedischen Pianisten Esbjörn Svensson und seines Trios e.s.t. – mit dem Bassisten Dan Berglund und dem Schlagzeuger Magnus Öström – in den späten 1990er Jahren war ein bedeutendes Ereignis in diesem Kontext. Mit einer Reihe von Auszeichnungen im ganzen Europa und einer treuen Fangemeinde hatte e.s.t. einen Weg gefunden, eine globale Wirkung zu erzielen und ein weltweites Publikum zu erreichen, noch bevor sie in Amerika bekannt wurden. Die Musik der Gruppe war genauso unkonventionell wie ihr Aufführungsstil, voller unerwarteter Wendungen und Veränderungen. Das Trio konnte reiche, komplexe, maximalistische Strukturen in harmonischer Bewegung aufbauen; doch ohne Vorwarnung konnte e.s.t. in einen lockeren, offenen Jam abtauchen oder einen lakonischen Dialog zwischen den Instrumenten beginnen.

Auf der europäischen Jazzszene steht das Kollektiv oder die Organisation oft im Vordergrund gegenüber dem Individuum. Dies ist sowohl bei Organisationen vom Typ des AACM wie dem F-ire Collective und dem Loop Collective in Großbritannien als auch bei der eher kollaborativen Struktur der meisten führenden Gruppen erkennbar. Dies steht im krassen Gegensatz zu den amerikanischen Jazzorchestern, die stets den Namen des Bandleaders tragen, aber der Unterschied ist eine nützliche Erinnerung an die kollektivistischen Ideen, die einen großen Teil des europäischen Jazzökosystems durchdringen.

Das deutsche Label ECM Records hat vielleicht die größte Rolle dabei gespielt, den europäischen Jazz weltweit bekannt zu machen. Gegründet 1969 von Manfred Eicher, veröffentlichte ECM Alben von Künstlern wie Keith Jarrett, Jan Garbarek, Tomasz Stańko und Anouar Brahem und präsentierte damit die unverwechselbare Ästhetik des europäischen Jazz – nachdenklicher, meditativere, manchmal fast klassisch – der Welt.

Die Jazzszenen in Lateinamerika und der Asien-Pazifik-Region sind weniger selbsttragend, aufgrund eines vergleichsweise geringen institutionellen Fundaments und einer mangelnden Unterstützung. Das bedeutet nicht, dass diese Regionen keine herausragenden Jazztalente hervorbringen; vielmehr kämpfen sie darum, diese zu fördern, zu halten und zu unterstützen. Japan spielt eine einzigartige Rolle bei der Förderung des Jazz in seinen Städten. Das japanische Publikum hat die Musik mit einer Begeisterung und Einzigartigkeit unterstützt, die anderswo selten zu finden ist, und die Anzahl der Veranstaltungsorte, an denen Jazz dargeboten wird – live in Nachtclubs und Konzerthallen oder über Aufnahmen in den vielen Jazzcafés des Landes – lässt einen Großteil des Restes der Welt blass aussehen. Japanische Jazzmusiker wie Hiromi Uehara, Makoto Ozone und Terumasa Hino genießen auf der internationalen Bühne großen Respekt.

Programme für Jazzstudien: Ein globaler Überblick

Heute gibt es Jazzstudienprogramme an Hunderten von Universitäten weltweit. In den Vereinigten Staaten führen Institutionen wie das Berklee College, die Juilliard School, die New School, die University of North Texas und die Manhattan School of Music weiterhin die Liste an, während in Europa Hochschulen wie das Amsterdamer Konservatorium, die Guildhall School of Music in London, das Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris (CNSMDP) und die Norwegische Musikhochschule in Trondheim starke Jazzprogramme anbieten.

Es ist unbestritten, dass diese Programme dazu beigetragen haben, Jazz den Status „ernste Kunstmusik“ zu verleihen. Heute kann ein Jazzmusiker eine Karriere auf einem ebenso strukturierten akademischen Weg beginnen wie ein klassischer Musiker. Doktorandenprogramme in Jazz-Performance und Jazzkomposition sind die greifbarsten Zeichen für die akademische Anerkennung dieser Musik. Doch diese Akademisierung hat auch Spannungen mit sich gebracht: Besteht nicht die Gefahr, dass Jazz dadurch seine Spontaneität und seinen Straßengeist verliert?

Die Wahrheit ist, dass die besten Jazz-Ausbildungsinstitute es schaffen, dieses Gleichgewicht zu halten. Am Berklee College of Music besucht ein Student morgens Harmonie- und Kontrapunktunterricht und nimmt abends an Jam-Sessions in den Jazzclubs von Boston teil. Theoretisches Wissen und praktische Erfahrung gehen Hand in Hand. Darüber hinaus haben die Möglichkeiten des digitalen Zeitalters – YouTube-Unterricht, Online-Masterclasses, einfacher Zugang zu Transkriptionen – die Jazz-Ausbildung demokratisiert und sie für junge Musiker in jedem Winkel der Welt zugänglich gemacht.

Schlussfolgerung: Die Zukunft des Jazz

Als Jazz erstmals als kommerzielles Phänomen auftrat, fiel er vielleicht durch einen spezifischen lokalen Stil auf – eine besondere Art, Instrumente zu spielen und klange Texturen zu verschmelzen, mit New Orleans als Epizentrum. Mit den Jahren entwickelte sich Jazz jedoch von einem statischen Satz von Praktiken zu einer Haltung, von blinder Loyalität gegenüber Bewährtem zu Offenheit für Möglichkeiten – und keine einzelne Stadt, kein Land oder keine Region kann seinen umfassenden Appetit eindämmen.

Wenn wir auf die Geschichte des Jazz im ersten Jahrhundert blicken, ist vielleicht sein kennzeichnendstes Merkmal diese Unwilligkeit, sich niederzulassen, dieses Gebot, andere Klänge und Einflüsse zu absorbieren, dieses Schicksal als Musik der Strömung und Verschmelzung. Jeder Ort ist daher seine Heimat, aber keiner wird wahrscheinlich seine endgültige Station sein. Bildung und Globalisierung mögen die Jazzwelt verändert haben, aber die Energie, Begeisterung, Spontaneität und vor allem die Fähigkeit, Menschen emotional zu bewegen, die im Kern des Jazz liegen – diese grundlegenden Werte leben immer noch im Herzen des Jazz.

Die Zukunft des Jazz scheint heute vielleicht heller zu sein als je zuvor. Robert Glaspers Verschmelzung von Hip-Hop und Jazz, Kamasi Washingtons Aufführung von Jazz-Alben in Stadien und Snarky Puppys Grammy-Gewinne für ihre kollektive Musikproduktion sind Beweise dafür, dass die Grenzen des Jazz weiter erweitert werden. Von den Grammys bis zu den Pulitzern, von Universitätslehrplänen bis hin zu Weltfestivals hat die Transformation des Jazz längst die Geschichte einer Straßenmusik überschritten, die den Status einer ernsthaften Kunstform erreicht hat. Jazz ist nun ein unverzichtbarer Teil des gemeinsamen kulturellen Erbes der Menschheit. Deshalb kann die akademische Welt vom Jazz angepasst werden, aber es scheint unwahrscheinlich, dass der Jazz auf sinnvolle Weise an die akademische Welt angepasst wird. Jazz wird, wie immer, weiter adaptieren, transformieren und seine Zuhörer überraschen.