Die Renaissance des Jazz: Wiederverbindung mit der Popkultur

Die Brücke zwischen Jazzsängern und der Popkultur

Seit Jahren höre ich düstere Prognosen über die Zukunft des Jazz. Man sagte, dieses Genre würde unvermeidlich an Bedeutung verlieren oder nur noch als musikalisches Museumsexponat überleben. Doch so trostlos diese Prophezeiungen klangen, sie waren weit entfernt von der Realität. Keine davon konnte vorhersehen, was derzeit in der Jazzszene geschieht, diese unerwarteten und gleichermaßen erfreulichen Entwicklungen.

Was ich beobachten konnte, verlor die Jazz-Rock-Fusion-Bewegung in den 1980er und 1990er Jahren zwar an Dynamik und wandte sich einem sanfteren Jazz-Sound zu, doch eine Gruppe von Künstlern fand Wege, Massenpublikum zu erreichen, ohne ihre Kunst zu verwässern. In dieser Zeit spielten Sängerinnen und Sänger eine Schlüsselrolle dabei, Jazz mit kommerzieller Musik zu verbinden. Häufig erzielten Jazz-Sänger sogar Hits, die Gold- und Platin-Auszeichnungen erreichten – etwas, was Ende des 20. Jahrhunderts als unmöglich galt.

Die Geschichte von Bobby McFerrin hat mich immer bewegt. Im Jahr 1988 kletterte sein Lied „Don't Worry, Be Happy“ an die Spitze der Billboard-Charts – das erste Mal in der Geschichte, dass ein A-cappella-Song diesen Erfolg erzielte. Es war unmöglich, McFerrins Talent zu bezweifeln: Nur wenige Jazzsänger konnten ihm in Bezug auf Intonation, Improvisationsfähigkeit oder charismatische Bühnenpräsenz das Wasser reichen. Doch seine Gleichgültigkeit gegenüber den Erwartungen der Musikindustrie war genauso extrem wie sein gesangliches Talent. Das erste Mal, als ich ihn hörte, noch bevor eine Platte veröffentlicht wurde, trat er allein ans Mikrofon, als Voract, und begann zu improvisieren – ohne Struktur oder Plan –, mit Stimmbändern, Klatschen und Brustklopfen. Ich dachte, dieser junge Sänger würde bestimmt scheitern. Aber in dieser Nacht eroberte er ein skeptisches Publikum allein durch seine Frechheit und sein Talent.

Künstlerinnen wie Eva Cassidy und Norah Jones erreichten ebenfalls kommerziellen Erfolg. Cassidys Aufnahmen verkauften sich nach ihrem Tod an Melanom im Alter von dreiunddreißig Jahren im Jahr 1996 mehr als zehn Millionen Mal. Jones' Debütalbum „Come Away with Me“ aus dem Jahr 2002 verkaufte sich erstaunliche fünfundzwanzig Millionen Mal. Für eine Zeit lang war die Nachfrage nach dieser Musik – und insbesondere nach Jones' Hitsingle „Don't Know Why“ – so groß, dass diese einzelne Künstlerin mehr als die Hälfte der Jazz-CDs in vielen Einzelhandelsgeschäften ausmachte.

Diana Krall, Jamie Cullum, Kurt Elling und Gregory Porter haben ebenfalls weiterhin Brücken zwischen Popkultur und Jazz gebaut. Krall ist am besten, wenn sie emotional offen ist, und nur wenige Jazzsänger können alte Songs so überzeugend in moderne Ausdrucksformen verwandeln wie sie. Cullums Album "Twentysomething" verkaufte sich drei Millionen Mal; Elling hat den böhmischen Geist der Beat-Generation am Leben erhalten; und Porter hat mit seiner radiotauglichen, R&B-angehauchten Stimme ein breites Publikum erreicht, das traditionelle Genregrenzen überschreitet.

Eine neue Generation von Jazzvirtuosen

Eine der Künstlerinnen, die mich am meisten beeindruckt hat, ist Cécile McLorin Salvant. Ihr Sieg beim Thelonious Monk International Jazz Competition im Jahr 2010 katapultierte sie fast über Nacht von einer unbekannten amerikanischen Sängerin, die in Frankreich lebte, zu einem hochkarätigen Jazz-Star. Sie begann schnell, alles auf ihrem Weg zu erobern: Sie führte vier Kategorien in der Umfrage von Downbeat an, darunter den aufstrebenden Stern und das Album des Jahres, und gewann vor ihrem dreißigsten Geburtstag mehrere Grammy Awards.

Doch auf den ersten Blick birgt dies ein gewisses Geheimnis. Salvant verfolgt keine der üblichen Crossover-Strategien. Sie versucht nicht, modische Klänge und Stile zu integrieren, und scheint offenbar wenig Aufmerksamkeit auf das zu legen, was andere tun, um ihre YouTube-Aufrufe zu steigern. Ihre Alben sind gefüllt mit den unerwartetsten Bausteinen: alten haitianischen Gedichten, vergessenen Blues-Songs, Opernarien, Popsongs aus der Generation ihrer Großeltern, Vaudeville-Material, Folklore ... Aber die Vielfalt der Quellen ist bei weitem nicht so interessant wie das, was Salvant daraus macht. Irgendwie, gegen alle Erwartungen, lässt sie alles Alte absolut zeitgemäß erscheinen – durch nichts anderes als ihre interpretatorische Fähigkeit auf der Bühne.

Jacob Collier verfolgt einen völlig anderen Ansatz. Noch als Teenager erlangte er durch eine Reihe von atemberaubenden YouTube-Auftritten weltweite Bekanntheit, die ihn als beeindruckenden One-Man-Orchester präsentierten, ermöglicht durch Multitrack-Aufnahmen und Split-Screen-Videos. Manchmal zeigte Collier sich dabei singend in sechs verschiedenen Stimmen bei komplexen A-cappella-Arrangements; andere Male fügte er Klavier, Bass und Percussion hinzu – alles selbst gespielt. In einigen Fällen teilte sich der Bildschirm in zwölf oder mehr Felder auf, jedes zeigend einen der vielen Schichten dieser Aufführungen.

In der Vergangenheit hätte Collier zuerst einen Plattenvertrag gebraucht; in seinem Fall veröffentlichte er jedoch kein kommerzielles Album, bis 2016 – volle fünf Jahre nachdem er begonnen hatte, eine Online-Fangemeinde aufzubauen. Das sagt viel über die chaotische Natur des Jazz heute aus. Manchmal wirkt Collier weniger wie ein Jazzmusiker als wie ein experimenteller Wissenschaftler. Dennoch zeigt sich bei jedem Schritt eine jazzige Sensibilität, die ihn in neue Gefilde treibt. Warum nicht? Jazz hat immer von einer sorglosen Bereitschaft profitiert, mit den verfügbaren Mitteln Risiken einzugehen, und es besteht kein Grund, warum diese Einstellung – einst auf Trompeten und Saxophone angewendet – nicht auch auf Webplattformen und Software übertragen werden sollte.

Fehlvorstellungen über den Tod des Jazz

Es gibt viele weit verbreitete Missverständnisse über die Zukunft des Jazz und seine Relevanz in der modernen Musiklandschaft. Hier sind einige gängige Mythen und die Realität dahinter:

Mythos: Jazz ist tot oder am Sterben.
Realität: Jazz ist eine lebendige und sich ständig weiterentwickelnde Kunstform, die weltweit nach wie vor ein breites Publikum anspricht. Während es stimmt, dass der Jazz in den Mainstream-Medien und der kommerziellen Musikindustrie weniger präsent sein mag als andere Genres, floriert er in lokalen Szenen, Jazzclubs, Festivals und im Internet. Künstlerisch innovative und experimentelle Jazzmusiker schaffen kontinuierlich neue Werke und ziehen ein engagiertes Publikum an.

Mythos: Jazz ist nur etwas für ältere Menschen.
Realität: Die Vorstellung, dass Jazz ausschließlich von und für ältere Zuhörer attraktiv sei, ist schlichtweg falsch. Jazz zieht ein vielfältiges Publikum an, das alle Altersgruppen umfasst. Viele junge Musiker finden Inspiration im Jazz und tragen mit ihren eigenen Interpretationen und Fusionen aus verschiedenen Genres zur Weiterentwicklung des Genres bei. Jazz-Festivals und -Konzerte locken oft ein junges und begeistertes Publikum an, was beweist, dass die Begeisterung für Jazz generationenübergreifend ist.

Mythos: Jazz ist zu komplex und schwierig zu verstehen.
Realität: Während Jazz eine tiefe Komplexität bieten kann, ist er nicht notwendigerweise schwer zugänglich. Es gibt unzählige Jazz-Kompositionen und -Darbietungen, die eingängig, melodisch und sofort genießbar sind. Wie bei jeder anderen Musikform reicht es oft aus, sich Zeit zu nehmen, zuzuhören und sich auf die Musik einzulassen, um ihre Schönheit und ihren Reiz zu entdecken. Viele Jazzmusiker sind auch Meister der Improvisation, was ihre Darbietungen dynamisch und aufregend macht, da sie in Echtzeit kreative Ideen entwickeln.

Mythos: Jazz hat keinen Einfluss auf moderne Musikstile.
Realität: Diese Annahme ignoriert die tiefgreifenden Auswirkungen des Jazz auf zahlreiche zeitgenössische Genres. Jazz hat einen enormen Einfluss auf die Entwicklung von Rock, Pop, R&B, Hip-Hop und elektronischer Musik ausgeübt

Wenn ich zurückdenke, erinnere ich mich daran, wie verbreitet die Gerüchte über das Ende des Jazz waren. Ich kann mich noch an die Enttäuschung erinnern, die ich im Jahr 2012 empfand, als The Atlantic eine positive Rezension zu einem meiner Bücher unter der Überschrift „Das Ende des Jazz“ veröffentlichte und eine Unterüberschrift hinzufügte, in der erklärt wurde, „wie Amerikas lebendigste Musik zu einer Reliquie reduziert worden war“. Ich war wütend, aber ich konnte dem Autor nicht die Schuld geben. Er äußerte lediglich die allgemeine Ansicht der Meinungsführer.

Im Jahr 2007 ging das Magazin Esquire sogar so weit, den „Tod des Jazz“ bereits im Titel zu verkünden – und fügte hinzu, dass das Genre seit dem Tod von John Coltrane vierzig Jahre zuvor im Niedergang begriffen sei. Zur gleichen Zeit veröffentlichte der Kritiker Marc Myers auf der Website JazzWax einen Artikel mit dem Titel „Wer tötete den Jazz, und wann?“ Er kam zu einem ähnlichen Schluss, machte aber eine frühere Ursache für den Niedergang verantwortlich: die Entscheidung von Jazzgruppen in den späten 1940er Jahren, nicht mehr für Tänzer aufzutreten. Als CNN das gleiche Thema in einem Artikel mit der Überschrift „Wann hörte Jazz auf, cool zu sein?“ aufgriff, wurden nun die Beatles und Rock 'n' Roll als Schuldige ausgemacht. Andere Kommentatoren konzentrierten sich auf unterschiedliche zugrunde liegende Ursachen für das Altern der Musik und malten ein Bild, in dem jeder vom elitären Fan bis zum narzisstischen Künstler einen Teil der Schuld trug. Das Fazit lautete: Jazz stand schon lange auf der Intensivstation, und es war an der Zeit, dieses liebe alte Ding aus seinem Leiden zu erlösen.

Es ist einige Jahre her, seit ich die letzten dieser schmerzlichen Jazz-Nachrufe gelesen habe, und eine andere Art von Nachrichten hat ihren Platz eingenommen. Groß aufgemachte Schlagzeilen verkünden nun ein „neues Zeitalter des Jazz“, eine „neue Jazz-Renaissance“ oder das Eintreffen eines neuen Grooves, der den Jazz „zu den Menschen zurückbringt“. In vielen Fällen sind es dieselben Magazine, die den Tod des Jazz kürzlich noch verkündet haben, die nun am lautstärksten seine Wiederauferstehung feiern. Angesichts der kurzen Aufmerksamkeitsspanne der Popkultur ist dies ein bemerkenswerter Wandel. Und er wirft eine offensichtliche Frage auf: Wie hat ein hundert Jahre altes Genre seinen Groove zurückbekommen?

Die Wende zum Jazz durch Popmusik-Stars

Interessanterweise zeigten sich viele wichtige Anzeichen dieser Entwicklung zunächst außerhalb der Jazzszene. David Bowie veröffentlichte sein letztes Album Blackstar im Januar 2016, nur zwei Tage vor seinem Tod. Dieses Projekt, bei dem der Rockstar von Jazzmusikern umgeben war, war intensive und anspruchsvolle Musik, wurde aber später von vielen Kritikern zum besten Album des Jahres gekürt. Etwa zur gleichen Zeit ging Lady Gaga eine unerwartete Zusammenarbeit mit Tony Bennett ein, der fast genau sechzig Jahre älter als sie war. Die Pop-Sängerin tauschte ihren modernen Sound gegen alte Jazz-Standards ein. Es schien kein vielversprechendes kommerzielles Unterfangen zu sein, doch das resultierende Album Cheek to Cheek erreichte die Spitze der Billboard-Charts und bescherte beiden Künstlern einen Grammy.

Nur wenige Wochen später veröffentlichte Bob Dylan ein Album mit jazzorientierten Songs, die mit Frank Sinatra in Verbindung gebracht wurden, und kurz darauf startete Prince eine reduzierte „Klavier und Mikrofon“-Tournee, die die eher jazzige Seite seiner musikalischen Persönlichkeit präsentierte. Hip-Hop-Künstler bewegten sich in die gleiche Richtung, und niemand tat dies effektiver als Kendrick Lamar, der auf seinem Album To Pimp a Butterfly den aufstrebenden Jazzstar Kamasi Washington präsentierte. Das Album erhielt elf Grammy-Nominierungen – zu diesem Zeitpunkt die meisten, die je ein Rap-Musiker erhalten hatte.

Gegen alle Erwartungen fand Jazz den Weg zurück in die Popkultur – nicht als Marketing-Gag, sondern als Teil einer Haltungsänderung, die von den kommerziell erfolgreichsten Stars der Zeit angeführt wurde. Das Interessanteste dabei war, dass man die meisten dieser Musikstücke nicht auf Jazzsendern hörte. Tatsächlich hatte diese Musik oft nur eine lose Verbindung zum typischen Jazz, der dort gespielt wurde. Doch dies unterstreicht lediglich die größere Bedeutung dieser Entwicklungen: Popkultur-Ikonen wandten sich dem Jazz nicht zu, weil sie Jazzkünstler werden wollten, sondern aufgrund eines wachsenden Bewusstseins, dass dieses jahrhundertealte Idiom als eine Art Maßstab für musikalische Exzellenz und Handwerkskunst dienen konnte. Nach Jahrzehnten der Marginalisierung war der Jazz auf der anderen Seite angekommen. Anstatt zu verschwinden oder im Schatten als esoterische Praxis oder staubiges Museumsexponat zu überleben, erlebte er eine Wiederauferstehung als etwas Wichtiges – sogar als etwas Wesentliches.

Die neuen Pioniere des Jazz

Künstler wie Kamasi Washington, Robert Glasper, Flying Lotus und Esperanza Spalding haben eine Pionierrolle beim Revival des Jazz gespielt. Keine Figur verkörpert den wachsenden Dialog zwischen Jazz und kommerzieller Musik, der das Genre derzeit ins Rampenlicht rückt, so sehr wie Washington. Während viele Jazzfestivals das Bedürfnis verspüren, Rock- und Pop-Acts zu engagieren, um den Ticketverkauf anzukurbeln, hat Washington diesen Trend umgekehrt. Rockfestivals haben begonnen, ihn zu buchen, um die Massen mit hochenergetischem Jazz in Bewegung zu bringen. Mit dreister Selbstsicherheit hat er das Saxophon in das Herz der Popkultur getragen – Auftritte bei Coachella, Lollapalooza und anderen Veranstaltungen, wo Bläser nur selten zu sehen sind – und irgendwie, gegen alle Erwartungen, hat er triumphiert.

Robert Glasper ist ein weiterer wichtiger Künstler, der nach gemeinsamen Nenner zwischen Jazz und populären Musikstilen sucht. Auf seinem ersten Album für Blue Note, Canvas (2005), arbeitete er fast ausschließlich im Rahmen des post-bop akustischen Jazzpianos und zeigte dabei eine reiche harmonische Palette und einen feinfühligen Umgang mit dem Instrument. In späteren Projekten versuchte Glasper jedoch jede vorstellbare Methode, um die Jazztradition zu aktualisieren. Auf dem Folgealbum In My Element (2007) begann er, kleine Dosen tanzbarer Rhythmen und Samples hinzuzufügen und präsentierte eine beeindruckende Mischung aus Herbie Hancocks Jazzkomposition "Maiden Voyage" und dem Rockband-Radiohead-Song "Everything in Its Right Place". Dies war nur der Vorspiel zu den umfassenden Bemühungen des nächsten Jahrzehnts. In dieser Zeit erweiterte Glasper sein Arsenal um elektrische Keyboards und andere eingestöpselte Instrumente und stützte sich zunehmend auf Sänger, Rapper, Laptopeffekte und Elemente aus den dominanten kommerziellen Genres.

Esperanza Spalding, geboren 1984 in Portland, Oregon, verfolgt ein ähnliches Outreach-Programm auf eine noch persönlichere Weise. Wenn sie ihren Stücken einen Pop-Geschmack verleihen möchte, schreibt sie in der Regel ihre eigenen Texte und singt sie selbst, anstatt hochkarätige Gastsänger zu engagieren. Und sie macht es so effektiv, dass sie den Jazz hinter sich lassen und eine erfolgreiche Karriere als zeitgenössische Singer-Songwriterin verfolgen könnte. Wenn sie sich in die Welt der lateinamerikanischen Musik begibt, kann sie auf Spanisch oder Portugiesisch singen und brasilianische Musik mit außergewöhnlicher Leichtigkeit spielen. Sie wechselt mühelos von traditionellem akustischem Jazz zu eingestöpselten kommerziellen Stilen. Vielleicht die kühnste Aussage ihrer Selbstständigkeit war jedoch das Projekt Exposure aus dem Jahr 2017, bei dem Spalding innerhalb von siebenundsiebenzig Stunden ein ganzes Album produzierte und den gesamten Prozess live auf Facebook übertrug. Am 12. September 2017 um 9 Uhr morgens betrat sie ein Studio in Nord-Hollywood ohne jegliche Vorbereitung und komponierte, arrangierte und nahm innerhalb der nächsten drei Tage zehn Tracks auf.

Jazz und Technologie

Wenn ich die Geschichten dieser Künstler analysiere, sehe ich, dass Jazz nicht nur überlebt hat, sondern sich auch an die neuen Plattformen und Vermittler angepasst hat, die die Musikwelt neu gestalten – und sogar seine improvisatorischen Prozesse in sie integriert hat. Der Übergang von physischen Alben zu digitaler Musik war nicht ohne Kosten verbunden, und viele Künstler – einschließlich Jazzmusiker – haben dadurch Einbußen bei ihren Einnahmen erlitten. Aber neue Technologien bieten auch immer Unterstützung für kreative Ausdrucksformen. Langfristig gesehen hat Jazz seine Anpassungsfähigkeit unter Beweis gestellt: Er übersteht nicht nur die neuen Wellen des Wandels und der Störung, sondern nutzt sie auch.

Betrachten Sie die Zeitleiste der Musik. Es ist kein Zufall, dass Jazz kurz nach dem Aufkommen der Plattenindustrie entstand: In früheren Zeiten waren Improvisationen schwer zu konservieren und fast unmöglich zu verpacken und auf dem Markt zu verkaufen. Durch ihre Funktion als dauerhafte Archive für diese spontane Musik trugen Aufnahmen dazu bei, den Jazz in einen globalen Markt zu drücken.

Jedes folgende Jahrzehnt erlebte eine Wiederbelebung des Jazz durch neue Technologien. Als in den späten 1920er Jahren neue Mikrofone eingeführt wurden, gehörten Jazzkünstler zu den ersten, die erkannten, dass diese ein nuancierteres – sogar geflüstertes – Gesangsvortragen ermöglichten. Das Singen sollte nach dieser Innovation nie mehr dasselbe sein. Als Radio und Live-Übertragungen in den 1930er Jahren an Geschwindigkeit gewannen, gehörten Jazzbandleader zu den ersten, die ihr Potenzial erkannten, die Energie von Live-Auftritten in die Häuser der Zuhörer zu bringen. Die Swing-Ära war das unvermeidliche Ergebnis. Wann immer im Laufe des Jahrhunderts neue Instrumente erfunden wurden – das Vibraphon, die elektrische Gitarre, die Hammond-Orgel und so weiter – nahm die Jazzgemeinschaft sie begeistert auf, selbst wenn die meisten Menschen sie nur als Neuheiten oder nutzlose Gadgets ansahen.

In vielen Fällen waren Jazzmusiker die eigentlichen Innovatoren, die bahnbrechende Technologien einführten. Der Jazzkomponist Raymond Scott legte den Grundstein für den Musiksynthesizer bei Manhattan Research, der Organisation, die er 1946 gründete. Etwa zur gleichen Zeit unterstützte Bing Crosby finanziell die Firma Ampex, die mit der Einführung von Magnetbandsystemen die hochwertige Tonaufzeichnung revolutionierte. Gitarrist Les Paul war in allem involviert, von der Instrumentenkonstruktion bis hin zum Mehrspurrecording, und sein Einfluss als Erfinder übersteigt sogar seinen beträchtlichen Einfluss als Performer. Es gibt heute kein Aufnahmestudio auf der Welt, das nicht Techniken verwendet, die aus seinen Heimexperimenten hervorgegangen sind.

Das unvergängliche Wesen des Jazz

Die Fähigkeit des Jazz zur ständigen Selbsterneuerung hat mir gezeigt, dass die Musik dem Schicksal entgehen kann, durch technische Geräte ersetzt oder verdrängt zu werden. Sie kann Technologie annehmen, sich mit ihr bewegen und sie zu ihren eigenen Zwecken nutzen. Tatsächlich sind wir nicht in einem Kampf mit musikalischen Stilen und Technologien verwickelt – wir verhandeln vielmehr, welche musikalischen Einstellungen in die Zukunft getragen werden.

Dies geschieht deshalb, weil Jazz nach mehr als einem Jahrhundert des Wandels und der Verschmelzung heute weniger durch bestimmte musikalische Komponenten als vielmehr durch seine Einstellungen definiert wird. Er ruht nicht mehr lediglich auf Bluestönen und Synkopen; stattdessen baut er seine Klangstrukturen auf einer anderen Grundlage auf – einem Bekenntnis zur Spontaneität, einer Offenheit für fortlaufenden musikalischen Dialog, einer Hingabe zum Handwerk, einem Vertrauen ins Menschliche, einer Feier des kreativen Prozesses und einer bereitwilligen Bereitschaft, das Unbekannte zu erforschen.

In unserer technologiegetriebenen Zukunft werden diese Aspekte der Musik wahrscheinlich nicht alt. Tatsächlich könnten sie genau das sein, was wir brauchen, um zu wachsen und zu gedeihen. Die heutigen Jazzkünstler sind denjenigen am nächsten gekommen, die Herbies Hancocks Behauptung erfüllen, dass Jazz "die neue klassische Musik des Planeten" ist. Mit einem unerschöpflichen Sinn für Neugier und Entdeckung haben sie das Potenzial, „die Geschichte der Menschheit“ zu erzählen, indem sie auf lokale musikalische Traditionen, aktuelle Technologien und Ausdrucksformen aus verschiedenen Medien zurückgreifen. In diesem Sinne ist Jazz nicht nur ein Relikt der Vergangenheit, sondern eine Vision der Zukunft.

Ich sehe die Wiedergeburt des Jazz als einen kostbaren Geist, der sich in jedem musikalischen Genre der letzten Dekade ausgebreitet hat. Er erinnert uns daran, dass Schönheit aus Spontaneität, aus unerwarteten Begegnungen und – vor allem – daraus entsteht, einander wirklich zuzuhören. Diese Lektionen sind in unserer komplexen, schnelllebigen Welt von heute wertvoller denn je.